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Afiche para Cultura II para pelicula Memorias de una Geisha
viernes, 23 de octubre de 2009
viernes, 25 de septiembre de 2009
jueves, 17 de septiembre de 2009
(De Stijl) 1919-1925
Antecedentes
De Stijl fue una alianza de artistas, arquitectos y diseñadores unidos por el pintor y arquitecto holandés Theo van Doesburg en 1917.
A pesar de su neutralidad, los Países Bajos sufrieron también las consecuencias de la primera guerra mundial, y la misión del grupo De Stijl era crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía.
Época de Desarrollo
Holanda, 1919-1925
Principales hitos de la época
• El fin de La primera Guerra mundial 1914 -1918
Estilos precedentes e influencias:
El movimiento De Stijl está relacionado con el Cubismo, al que se considera como inmediato precedente, pero se distingue del mismo por negar el volumen.
Los miembros de De Stijl creían que el Cubismo no había ido suficientemente lejos en el desarrollo de la abstracción, y que el expresionismo resultaba demasiado subjetivo.
Exponentes Representativos
Piet Mondrian
Theo Van Doesburg
Bart Van Der Leck
Vilmos Huszar
Georges Vantongerloo
Jacobus Joannes Pieter Oud
Jan Wils
Friedrich Kiesler
Gerrit Rietveld
Características Conceptuales
Para describir este estilo reductor Mondrian forjó el término Neoplasticismo. En 1917 escribió: "Estos medios plásticos
universales se descubrieron en la pintura moderna a través del proceso de la abstracción de la forma y del color: una vez que esto fue descubierto, emergió, en su mayor parte por propia voluntad, una plástica exacta de relaciones puras; de ahí a la esencia de toda emoción de belleza plástica".
El hecho de que Mondrian y Van Doesburg creyeran que habían llegado a la fórmula definitiva para este nuevo arte explica el nombre del grupo, De Stijl.
Así como su lema:
"EI objeto de la naturaleza es el hombre. El objeto del hombre es el estilo".
"La nueva imagen del mundo" en la que había señalado que "los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son: la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la tierra alrededor del sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos, que tiene su origen en el centro del sol".
Características formales
De Stijl, “El Estilo”, propone una estética renovadora basada en la depuración formal.
Fue un movimiento integrador de las distintas artes.
La utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y zonas rectangulares de colores lisos caracterizan su obra de esa época. Al evolucionar, su gama se reduciría eventualmente al empleo de los colores primarios: el rojo, el amarillo y el azul y los colores neutros: blanco, negro y gris.
Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales:
líneas, planos y cubos. De ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.
Colores planos, de carácter saturado o tonal.
Empleo de fondos claros.
Las superficies coloreadas se distribuyen y yuxtaponen hasta formar una organización y significación plásticas consideradas
como "arte puro".
El color fue usado no como una ocurrencia tardía o decoración, sino como un elemento estructural importante. El rojo fue favorecido como segundo color en la impresión porque, además de su poder gráfico para competir con el negro, significaba revolución.
Composición con rojo, amarillo y azul: Los tres colores puros ordenan la realidad física. Cada rectángulo constituye un módulo estático, su yuxtaposición genera un ritmo, un dinamismo.
El punto de partida en el Neoplasticismo es el espacio, que al ser estructurado, hace surgir la forma.
Es un planteamiento totalmente racionalista.
Su objetivo es armonizar el espacio, la forma y el color.
Busca la renovación estética y la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.
Busca la purificación del arte rechazando la representación artística. los valores externos y las expresiones subjetivas.
De Stijl fue, al principio, una revista dedicada a la arquitectura, el diseño de objetos domésticos.
Fundada en Leyden, Holanda, por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, surgió en 1917 y duró hasta 1931.
Vendría a constituir un foro donde se discutiría el camino que el arte moderno debería adoptar.
Publicaron en la revista críticas, teorías y manifiestos .
La revista De Stijl:
Se planteó como objetivo contribuir al desarrollo de un nuevo sentido estético.
Quiso hacer al hombre moderno sensible.
Quiso reunir y coordinar las tendencias actuales de la nueva plástica, para establecer relaciones entre el artista, el público y los aficionados a las diversas artes plásticas.
Hará desaparecer el prejuicio en virtud del cual el artista moderno trabaja siguiendo teorías preestablecidas.
Con estos ocho puntos comienza el fin de la primera etapa del Stijl, que se inicia con la separación de sus miembros y contribuyentes, y con la aparición de Gerrit Rietveld con la creación de la silla roja azul, que es una pieza de mobiliario que aportó la primera oportunidad para una proyección de la estética neoplástica, diseñada entre 1918 y 1920.
La nueva etapa
En este período se establecen algunos de los puntos más significativos del movimiento que son:
La arquitectura, la forma, la economía, la funcionalidad, el no reconocer ningún tipo de autocontenido, ninguna forma básica, el cambio del concepto de monumentalidad a las nociones de grande y pequeño, el no reconocer ninguna parte pasiva, la planta, el espacio y tiempo, la simetría y repetición, el contraste con el frontalismo, el color, el antidecorativismo, como síntesis del nuevo plasticismo.
La arquitectura de De Stijl muestra una claridad, una austeridad y un orden similares a los de la pintura del grupo, y el lenguaje geométrico abstracto de la pintura neoplástica (líneas rectas, ángulos rectos y superficies limpias) encontró expresión en objetos de tres dimensiones.
La tercera y última fase de la actividad de De Stijl, que duró desde 1925 hasta 1931, se debe a una disputa entre Mondrian y Van Doesburg a causa de la introducción por parte de este último de la diagonal en sus pinturas, una modificación del neoplasticismo que denominó elementarismo en una serie denominada “contraposiciones”, lo que llevó a Mondrian a abandonar el grupo.
"Tras tu arbitraria mejora del neoplasticismo, cualquier cooperación es imposible para mí", escribió Mondrian a su antiguo amigo.
1925 – 1939
Se utilizó principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus formas estilizadas transmitían elegancia y sofisticación.
El término Art Deco se aplicó en 1925, cuando se celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París.
El ART DECO surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del ART NOVEAU, y a la vez como una estética nueva para celebrar el auge de la maquinización.
Su principal característica es el uso de líneas definidas, contornos nítidos, y formas elegantes y simétricas.
Utilización de los colores primarios brillantes, cromados, esmaltes y piedras muy pulidas.
Diseños de inspiración egipcia o griega.
Egipcia, de formas geométricas y vistosos colores.
Africana, abstracción de las formas hasta la omisión de detalles no esenciales.
Tipo de ilustración vinculada: esquematización, planimetría, líneas estilizadas y la moda como temática del estilo.
Principales exponentes:
Paul Poiret modisto.
René Lalique joyero y vidriero.
EMILE JACQUES RUHLMANN, en mobiliario.
JEAN DUNAND, en laqueado.
JEAN PUIFORCAT, en los trabajos en plata.
Tuvo influencia de las escenografías orientales y exóticos colores, del organizador de eventos Sergei Diaguilev que utilizó en los ballets rusos.
La tumba del faraón que se abrió en 1922, puso de moda los motivos egipcios.
El cubismo, con su elegante estética geométrica.
Tipografía ART DECO.
Rasgos geométricos simples, con toques caprichosos.
Unión de trazos finos y gruesos hasta el límite de la legibilidad.
PAUL FOLLOT desarrolló motivos selváticos, como tigres, panteras y serpientes.
EN FRANCIA:
TAMARA DE LEMPICKA. Retratos estilizados de bellas mujeres, posando entre planos yuxtapuestos de patrones y colores metálicos.
COCO CHANEL. Juventud y elegancia. Incorporó a la moda los vestidos intemporales de dos piezas y la joyería de fantasía.
Muebles. Adornos de profusos patrones geométricos. Modernista y funcionalista. Mezcla de materiales.
René Lalique se inspiraba en la naturaleza y la metodología griega para sus diseños.
Motivos recurrentes:
Uso de la figura femenina de inspiración mitológica, realizadas en cerámica, bronce o marfil.
Mezcla de texturas y materiales, característico del estilo.
Decoración:
Profusión de materiales preciosos y elegantes diseños. Producían un “efecto riqueza”.
ESTADOS UNIDOS
Se fue haciendo más lineal y geométrico al aumentar la producción en serie. Se plasmó en objetos tan diversos como locomotoras, rascacielos, restaurantes de carreteras, aparatos de radio, maquinas de discos y grandes anuncios.
Edificio Crhysler, obra maestra de la arquitectura ART DECO.
A partir de 1935 éste estilo decayó, pero en 1960 y 1970 volvió a retomar el favor del público.
El empleo de la línea recta en diferentes combinaciones es la principal característica, principalmente en zigzag.
Utilizaban diversos materiales.
Estilo Hollywood
Utilizado en la mayoría de los teatros de california.
Diseño Carteles:
Dinámicos usos espaciales en la diagramación, estilización de las formas, tintas planas, nuevas tipografías propias del estilo.
Exigían una mano atrevida y desinhibida.
Fascinación por el ritmo frenético de la vida moderna.
El mensaje y el estilo se fundieron en una celebración a los viajes y a la velocidad.
El legado ART DECO.
Los colores fuertes y las superficies relucientes representaban el espíritu de la época, expresando acción positiva, velocidad y estilo.
Abundan rayos de sol, cataratas, nubes, flora y fauna, estilizados en diseños geométricos y abstractos.
Diseños llamativos. En los años 30 se aprecia la influencia del ART DECO tardío, sobre todo en la forma de marcados bloques de color, líneas angulares, y tipografía grande y clara.
domingo, 30 de agosto de 2009
martes, 4 de agosto de 2009
Encontré a Nico Sala y me parecio interesante este afiche. Un ojo afinado y una mente creativa.
miércoles, 24 de junio de 2009
Al comienzo del siglo XX se vio la urgencia de generar masivamente productos que satisfaci
eran las necesidades de un mercado cada vez más amplio y exigente. En otras palabras, se requerían productos que pudieran ser adquiridos por cualquier persona, evitando así que circularan solamente en una clase social o en una elite reducida. La demanda de más y mejores bienes impulsó y obligó a los talleres de arte y de mano de obra a convertirse en diseñadores industriales.
Bauhaus, etimológicamente significa, Casa de Construcción.
Antecedentes
La Bauhaus fue una escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño.
Basada en los principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts,
la Bauhaus sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.
Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto alemán Walter Gropius, que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios.
La filosofía de Gropius se basaba en integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos.
Exponentes Representativos
Algunos arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy, el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.
Época de Desarrollo
• Alemania 1919 - 1933.
Principales hitos de la época
• La Gran Depresión del ‘29
Estilos precedentes e influencias directas:
• Expresionismo Alemán (primera etapa)
• Neoplasticismo Holandés y
• Constructivismo Ruso (segunda etapa)
Características Conceptuales
• Integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos.
• Se convocaba a unir esfuerzos en busca de la construcción de la “obra de arte total”, la cual se expresa en la obra de arquitectura.
Características Técnicas
Uso de diversos materialidades:
Piedra, madera, cerámica, metales, tejidos textiles, vidrio.
También había talleres de tipografía, fotografía y murales.
Esta aventura comenzada en Weimar, tuvo en Gropius al personaje aglutinador que supo coordinar las variadas tendencias ideológicas, artísticas y religiosas
de los docentes. En la primera etapa de la escuela, desde 1919 hasta 1923, predominó la vertiente de la vanguardia alemana expresionista.
La teoría de la Bauhaus sobre la enseñanza del diseño incluía un artista y un técnico en cada salón de clase. De esta manera, los alumnos usaban su creatividad de forma libre y, simultáneamente, aprendían la técnica. Los alumnos eran requeridos en los talleres por periodos cortos, con el fin de que entendieran la tecnología para la que posteriormente diseñarían.
El primer maestro del curso preliminar (Vorkurs), el suizo Johannes Itten, impulsó una enseñanza basada en el expresionismo pictórico, en la meditación de filosofías y religiones orientales y en la pedagogía de "aprender haciendo".
El plan de estudios original que luego se modificó, proponía una serie de talleres, semejantes al de una escuela de oficios, a realizar concluido el ciclo preliminar, donde lo distintivo de cada uno era el trabajo usando un material base como piedra, madera, cerámica, metales, tejidos textiles.
También había talleres de tipografía, fotografía y murales.
Se buscaba al diseñador universal.
También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial
moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.
Así, el círculo era "fluido y central", el cuadrado resultaba "sereno" y el triángulo, "diagonal". Más adelante, en el arte y en la escultura de la Bauhaus se tomó este mismo concepto con el que trabajaron Wassily Kandinsky, Paul Klee y Johannes Itten.
Características formales
Se creía que las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida.
En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado.
Las tendencias expresionistas de la primera etapa, fueron sustituidas a partir de 1923 por el Neoplasticismo holandés y el Constructivismo ruso.
En este cambio es clave la sustitución de Itten por Lazlo Moholy Nagy, de origen húngaro. El cual buscó superar lo pictórico del enfoque expresionista por el énfasis en la experiencia de lo sistemático y el uso de los materiales y objetos seriados de posible uso industrial.
El período de Weimar se termina con la crisis financiera de esta escuela estatal y tras largas y difíciles negociaciones la escuela se muda a Dessau en 1925, inaugurando un edificio, diseñado especialmente en hormigón armado y con ventanales en muro cortina, paradigma de la arquitectura moderna.
El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.
Debido a los problemas sociales y económicos del momento, se trataba de crear productos que fueran funcionales pero que a la vez presentaran un diseño atractivo para el mercado, manteniendo bajos los costos de producción. Para lograrlo, se empezó a producir con materiales comunes y baratos como el metal, el vidrio, el cristal y la madera, entre otros.
En 1928, Gropius deja la Bauhaus y el arquitecto Hannes Meyer se convierte en su director. Promueve en la escuela un funcionalismo más dogmático: el predominio de la función sobre la forma; la interrelación estrecha entre, por un lado, la arquitectura y el diseño y, por otro, las ciencias aplicadas; la adecuación de la vivienda a los recursos y necesidades humanas; y una efectiva planificación urbana.
Los productos resultantes se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva. por el contrario, poseían líneas limpias y claras, formas geométricas
sencillas y, de manera característica, daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano.
Clásico diseño de lámpara de mesa, hecha por Wilhem Wagenfeld, que conjunta el vidrio y el cristal con formas básicas como el círculo y el cilindro en líneas rectas y sencillas. En esta lámpara se lee con claridad el programa de la Bauhaus de la época: la acentuada utilización de materiales técnicos (metal y cristal), la transparencia de la función en cada uno de sus componentes y una forma estética basada en la armonía de cuerpos básicos simples.
Esta lámpara constituye uno de los primeros productos del diseño industrial.
El Diseño Gráfico y la fotografía diseño
Junto a la enseñanza de la tipografía, las materias Publicidad y Creación de Espacios adquieren también categoría de asignatura en 1925, a las que se homologa asimismo la escritura, esporádicamente impartida desde la fundación de la Bauhaus, dándole carácter obligatorio para el primer y segundo semestre, bajo la dirección del ex alumno Joost Schmidt. De la tipografía, la publicidad y la creación de espacios se ocupa el también ex alumno Herbert Bayer.
El impulso decisivo para la preocupación por la fotografía fue dado por László Moholy-Nagy en 1923.
De acuerdo con el vanguardismo ruso, la fotografía era, a los ojos de Moholy-Nagy, el medio creativo ideal para una “nueva visión”. El buscó en este “diseño puro” de las nuevas posibilidades ligeras de la opinión y de la interpretación de un mundo nuevo, transformadas radicalmente por el impacto de la tecnología moderna.
En los primeros años de la Bauhaus en Weimar, la tipografía todavía no desempeñaba un rol importante.
Para Itten y Lothar Schreyer, la tipografía o caligrafía era un medio de expresión, pero no objeto de estudio y desarrollo.
Al principio, su uso era circunstancial y restringido al uso práctico relativo a los impresos misceláneos.
La voluntad de Moholy-Nagy en 1923 de introducir las ideas de la Nueva Tipografía o Tipografía Elemental a la Bauhaus, hizo que la situación cambiara radicalmente. El consideraba el “mecanografiado” como un medio de comunicaciones, y
era partidario de la “claridad del mensaje en su forma más enfática”.
Las características del diseño gráfico de la Bauhaus estaban claras:
impresos sin adornos, la articulación y acentuación de páginas con símbolos distintos o de elementos tipográficos estacados en color, y la información finalmente directa en una combinación del texto y de la fotografía, para la cual el nombre “Typofoto” fue creado.
En Weimar, al lado de Moholy-Nagy, Joost Schmidt y Herbert Bayer también se habían interesado profundamente en la tipografía.
En Dessau, Bayer asumió el control del taller nuevamente instalado para imprimir y anunciar y lo transformó rápidamente en un estudio.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y diseño gráfico. Puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus, estas dos profesiones no existían como tal y fueron
concebidas dentro de esta escuela.
Sin duda, la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría
todos los ámbitos de la vida cotidiana.
En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies Van Der Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo.
Muchos de sus miembros emigraron a estados unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la
arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo conocido como Estilo Internacional.
La Bauhaus no sólo fue la cuna de grandes diseñadores, arquitectos y artistas del siglo XX, sino que también marca un hito en la historia del hombre, como el momento en el que la mente se abre totalmente y se empieza a tomar en cuenta el peso de la tecnología y materiales que no estaban explotados. Marca la escuela de las artes gráficas y le da el peso y fundamento que ésta necesitaba.
“La tipografía debe ser vista como algo más que un puente entre la escritura y la impresión o como una
manifestación del lenguaje: es una guía cultural con la que pueden ser examinados una variedad de fenómenos sociales”.
Antecedentes
El final de la Primera Guerra Mundial abre la necesidad de encontrar nuevos caminos.
Esto se manifiesta en los movimientos revolucionarios de la época que aspiran a una renovación radical de la cultura.
Si el expresionismo situaba en los años veinte el corazón de la creación en la emoción y en el individuo, la "tipografía elemental" se desarrolla a partir de las formas claras y reduccionistas del constructivismo y constituirá la base del modelo informativo y práctico que marcará la comunicación visual en el siglo XX.
La Nueva Tipografía.
Surgió en las primeras décadas del siglo XX, y vivió su máximo apogeo entre los años 1922 a1936.
Su máximo exponente fue Jan Tschichold.
Alemán nacido en 1902 hijo de un diseñador y pintor de anuncios comerciales, estudió en la academia de Leipzig en la que desarrolló un temprano interés por la caligrafía. A los 21 años Tschichold asistió a la primera exposición de la Bauhaus en Weimar, y quedó profundamente impresionado. De inmediato asimiló los nuevos conceptos de diseño de
la Bauhaus y de los constructivistas rusos en su trabajo y comenzó a practicar la nueva tipografía.
Fue un movimiento que tuvo poca aceptación por algunos personajes de la sociedad debido a que se manifestaban nuevas ideas y conceptos distintos a los de la época.
El "nuevo arte", la "nueva tipografía" son destinatarios de severas críticas.
El poder político está especialmente interesado en suprimir las vanguardias.
En la Unión Soviética se condena al "nuevo arte"; en Alemania es etiquetado como "arte degenerado"
En 1928 aparece publicada la “New Typography” , por Jan Tschichold , libro que se consagró como uno de los mejores libros de tipografía de la historia.
Jan Tschichold nació a comienzos del siglo XX y esto lo hizo madurar en una época de enorme cambio social y estético. Una época que había visto el nacimiento de la pintura moderna y de la música de vanguardia, pero también de la electrificación, del telégrafo inalámbrico, de la radio, del automóvil, de la aviación...
En todo ello se mezclaba un cambio social que afectaba a valores básicos de la cultura, con el desarrollo de un mundo industrial como jamás había sido conocido.
Características formales
Su estilo se concentra en la claridad formal y la eliminación de motivos ornamentales superfluos, la asimetría de la puesta en página y el uso restringido de tipografías.
Jan Tschichold presentó algunos principios para obtener un diseño completamente funcional y estos son:
- Claridad en la comunicación.
- Expresión visual de las relaciones entre las formas.
- Organización lógica de los textos.
- Uso del color para mejorar la funcionalidad del mensaje.
- Estandarización.
- Asimetría en la composición de las páginas.
- Letras de palo seco como representativas de la época.
- Alfabeto compuesto exclusivamente de letras minúsculas.
"El ingeniero da forma a nuestra era. Las marcas de su trabajo son: economía, precisión, uso de formas puras y constructivas que se corresponden con la función.
Nada es más representativo de nuestra edad que este testimonio de la genial inventiva del ingeniero"
Uno de sus últimos trabajos en tipografía fue el diseño de una nueva romana, que pudiera utilizarse en diferentes máquinas, como linotipia y monotipia, además de composición manual.
De tal encargo nació la familia "Sabon", una de las letras más bellas y funcionales diseñadas en el siglo XX, con mayúsculas extraordinarias y un trazado perfecto para las minúsculas.
Eric Gill
Nació el 22 de febrero de 1882 en Inglaterra. Su primera tipografía, que más tarde se conocería como Perpetua (1928), tardó cinco años en convertirse en realidad ya que para Gill era difícil resolver los problemas que se presentaban en la creación de tipos para producción mecánica.
Paul Renner
Nació en Alemania en 1878. Trabajó como diseñador gráfico, tipógrafo, pintor y maestro. Si bien el no estaba directamente relacionado con el movimiento Bahuaus de los años 20, pronto pasó a defender sus posturas y convertirse en un ferviente defensor de la Nueva Tipografía.
En 1926 es nombrado director de la Escuela de Oficios de Impresión en Munich y asimismo es cofundador y
director de la Escuela de Maestros para Impresores.
Stanley Morison
Nació el 6 de mayo de 1889 en Inglaterra. En 1921 se asoció a Cloister Press y fue uno de los miembros fundadores de la Fleuron Society así como editor de su revista de tipografía The Fleuron. Los volúmenes 5, 6 y 7 de la revista fueron editados por el propio Morison, y el último número en el año 1930.
Fue en esta revista donde publicó sus famosos “Principios Fundamentales de Tipografía”.
Su contenido didáctico, diseño y soberbia impresión hicieron de The Fleuron, incluso en la actualidad, un referente de la excelencia tipográfica.
En 1932, Stanley Morison basándose en el tipo romano Plantin crea la tipografía llamada Times New Roman para el diario The Times, que se convirtió en uno de los tipos más usados del mundo.
Rechazando las tipografías con serif utilizadas hasta entonces y la puesta en página con un eje simétrico, los pioneros del estilo moderno buscaron un nuevo estilo acorde con los desarrollos tecnológicos del momento y que plasmara la realidad de una nueva época. 
Conceptual y estilísticamente, los tipos sans-serif (palo seco)son elegidos como los más apropiados para reflejar los nuevos tiempos. La "tipografía elemental" reclama poner fin a la confusión estilística de los períodos precedentes.
La nueva tipografía es distinguida de la antigua o clásica por el hecho de que su primer objetivo es desarrollar su forma visible fuera de las funciones del texto.
“Cada uno de los diseñadores que han inscrito su nombre en la historia de la tipografía ha sido a su vez un polemista (provocador), un pensador y un gran diseñador. Y el resultado es una rica historia, sistemas lógicos y excelentes diseños”.
miércoles, 17 de junio de 2009
Antecedentes. 
La década iniciada en el año 1910 con las conferencias de Marinetti en Rusia, vio a los artistas de esa nación absorber las nuevas ideas del cubismo y del futurismo con una rapidez sorprendente para después continuar hacia diferentes innovaciones.
La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria.
Época de Desarrollo
Rusia 1912- 1932.
Principales hitos de la época
• La primera Guerra mundial 1914 -1918
Revolución Rusa de 1917
Exponentes Representativos
• Kasimir Malevich (inició con el suprematismo)
• Vladimir Tatlin (padre del constructivismo)
• Alexander Rodchenko (pintor)
• Aleksei Gan (escribió los principios del constructivismo)
• El Lissitzky (inició el Diseño gráfico)
Estilos precedentes e influencias directas:
• Futurismo Italiano
• Cubismo francés
• Dadaismo
Características Conceptuales:
• Los representantes no ven sus obras como arte.
• Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste lleva.
• Propuestas racionales basadas en la tecnología y la mecánica industrial.
• Los artistas consideraban su trabajo del mismo modo que la actividad de los ingenieros, como un “construir” de objetos utilitarios, aunque frecuentemente éstos tuviesen que crear su propia “finalidad” (inventar un uso).
• Fin social : La “reconstrucción” de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la escenografía.
Características Técnicas
• Uso de la Fotomecánica al mostrar acciones simultáneas; sobreponer imágenes; usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, a menudo juntos; y la repetición rítmica de una imagen constituyeron algunas de las técnicas relacionadas al diseño y al cine.
Características formales
• Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
• Uso de fotografía, las figuras geométricas y las tipografías en bloque.
Kasimir Malevich fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó suprematismo.
Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, Malevich creó una abstracción geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura. Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación gráfica, ya que Malevich buscaba "la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida".
Pensador lógico con un conocimiento lúcido, Malevich se dio cuenta de que la esencia de la experiencia artística es el efecto perceptivo del color. Para demostrarlo, en el año 1913 Malevich expuso un cuadrado negro pintado sobre un fondo blanco. Afirmaba que el sentimiento evocado por este contraste era la esencia del arte.
El movimiento como tal “surgió en 1920, en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas”.
El padre del Constructivismo fue Vladimir Tatlin, que fue influido inicialmente por las esculturas cubistas realizadas por Picasso con diversos objetos ensamblados.
El objetivo de Tatlin era liberar al arte de toda interpretación emocional y burguesa de la realidad en favor de un nuevo lenguaje abstracto, de elementos correlacionados, estructuras internas, energías y tensiones espaciales, basado en las propuestas racionales de la tecnología y de la mecánica industrial.
Guiados por Tatlin y Alexander Rodchenko en el año 1921, veinticinco artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
Aleisek Gan escribió que los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción.
La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual.
La textura significaba la naturaleza de los materiales y cómo son empleados en
la producción industrial.
La construcción simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual.
Quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista fue El Lissitzky (Lazar Markovich), pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Este visionario de energía y constancia inagotables influyó profundamente en el curso del diseño gráfico.
PROUNS
Lissitzky desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS.
PROUNS, según Lissitzky corresponde a "un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura".
Esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura; También muestra que el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los conceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna al diseño aplicado.
Al rebelarse contra las restricciones de la tipografía metálica, Lissitzky utilizaba a menudo la construcción con instrumentos de dibujo y maqueta para realizar sus diseños. En el año 1925, predijo acertadamente que el sistema de Gutemberg pertenecía al pasado y que los procesos fotomecánicos reemplazarían a los tipos de metal y abrirían nuevos horizontes para el diseño, tal como la radio había reemplazado al telégrafo.
Por medio de su responsabilidad social y el compromiso con su pueblo, de su dominio de la tecnología para servir a sus propósitos y de su visión creativa. El Lisstzky estableció una pauta de excelencia para el diseñador.
El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y
la tipografía del siglo XX
El Constructivismo influyó de modo determinante en la evolución artística y arquitectónica de los años veinte, hasta el punto de que se crearon numerosas asociaciones, como:
VCHUTEMAS (Taller Artístico Técnico Superior), que fue el principal centro de experimentación en Rusia;
ASNOVA (Asociación de Nuevos Arquitectos); y
OSA (Sociedad de Arquitectos Contemporáneos), entre otras.
La década iniciada en el año 1910 con las conferencias de Marinetti en Rusia, vio a los artistas de esa nación absorber las nuevas ideas del cubismo y del futurismo con una rapidez sorprendente para después continuar hacia diferentes innovaciones.
La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria.
Época de Desarrollo
Rusia 1912- 1932.
Principales hitos de la época
• La primera Guerra mundial 1914 -1918
Revolución Rusa de 1917
Exponentes Representativos
• Kasimir Malevich (inició con el suprematismo)
• Vladimir Tatlin (padre del constructivismo)
• Alexander Rodchenko (pintor)
• Aleksei Gan (escribió los principios del constructivismo)
• El Lissitzky (inició el Diseño gráfico)
Estilos precedentes e influencias directas:
• Futurismo Italiano
• Cubismo francés
• Dadaismo
Características Conceptuales:• Los representantes no ven sus obras como arte.
• Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste lleva.
• Propuestas racionales basadas en la tecnología y la mecánica industrial.
• Los artistas consideraban su trabajo del mismo modo que la actividad de los ingenieros, como un “construir” de objetos utilitarios, aunque frecuentemente éstos tuviesen que crear su propia “finalidad” (inventar un uso).
• Fin social : La “reconstrucción” de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la escenografía.
Características Técnicas
• Uso de la Fotomecánica al mostrar acciones simultáneas; sobreponer imágenes; usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, a menudo juntos; y la repetición rítmica de una imagen constituyeron algunas de las técnicas relacionadas al diseño y al cine.
Características formales
• Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
• Uso de fotografía, las figuras geométricas y las tipografías en bloque.
Kasimir Malevich fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó suprematismo.
Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, Malevich creó una abstracción geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura. Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación gráfica, ya que Malevich buscaba "la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida".
Pensador lógico con un conocimiento lúcido, Malevich se dio cuenta de que la esencia de la experiencia artística es el efecto perceptivo del color. Para demostrarlo, en el año 1913 Malevich expuso un cuadrado negro pintado sobre un fondo blanco. Afirmaba que el sentimiento evocado por este contraste era la esencia del arte.
El movimiento como tal “surgió en 1920, en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas”.
El padre del Constructivismo fue Vladimir Tatlin, que fue influido inicialmente por las esculturas cubistas realizadas por Picasso con diversos objetos ensamblados.
El objetivo de Tatlin era liberar al arte de toda interpretación emocional y burguesa de la realidad en favor de un nuevo lenguaje abstracto, de elementos correlacionados, estructuras internas, energías y tensiones espaciales, basado en las propuestas racionales de la tecnología y de la mecánica industrial.
Guiados por Tatlin y Alexander Rodchenko en el año 1921, veinticinco artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
Aleisek Gan escribió que los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción.La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual.
La textura significaba la naturaleza de los materiales y cómo son empleados en
la producción industrial.
La construcción simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual.
Quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista fue El Lissitzky (Lazar Markovich), pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Este visionario de energía y constancia inagotables influyó profundamente en el curso del diseño gráfico.
PROUNS
Lissitzky desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS.
PROUNS, según Lissitzky corresponde a "un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura".
Esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura; También muestra que el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los conceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna al diseño aplicado.
Al rebelarse contra las restricciones de la tipografía metálica, Lissitzky utilizaba a menudo la construcción con instrumentos de dibujo y maqueta para realizar sus diseños. En el año 1925, predijo acertadamente que el sistema de Gutemberg pertenecía al pasado y que los procesos fotomecánicos reemplazarían a los tipos de metal y abrirían nuevos horizontes para el diseño, tal como la radio había reemplazado al telégrafo.
Por medio de su responsabilidad social y el compromiso con su pueblo, de su dominio de la tecnología para servir a sus propósitos y de su visión creativa. El Lisstzky estableció una pauta de excelencia para el diseñador.
El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y
la tipografía del siglo XX
El Constructivismo influyó de modo determinante en la evolución artística y arquitectónica de los años veinte, hasta el punto de que se crearon numerosas asociaciones, como:
VCHUTEMAS (Taller Artístico Técnico Superior), que fue el principal centro de experimentación en Rusia;
ASNOVA (Asociación de Nuevos Arquitectos); y
OSA (Sociedad de Arquitectos Contemporáneos), entre otras.
martes, 16 de junio de 2009
Estos son carteles de la Campaña de Vodafone Australia.
Muy bueno el uso de la tipografia y colores.
Me encantó!
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