Para ExpressArte

Noe'S' photostream

2011-08-04T10:42:00.001-07:00

El afiche y la escuela polaca

2010-04-24T22:05:00.000-07:00

El desarrollo del cartel en Polonia coincide con el resto de Europa se remota en los finales del siglo del pasado a esa luz que brillo en sus orígenes, Toulouse Lautrec. Las circunferencias históricas, la voluntad de sus creadores han hecho que el afiche polaco, a partir de la segunda mitad de la centuria actual tenga un género diferente, a la diferencia a la habilidad en el occidente Europeo. Resulta una forma artística de comunicación virtual, muchísimo antes que la utilización publicitaria. Ya que resplandece en cada producto la esencia de todo cartel autentico, o sea, una imagen clara, fuerte, capaz de sorprender, de golpear la sensibilidad del observador y un texto mínimo bien preciso.

Dos factores que ayudaron en Polonia sin duda a definir una economía de mercado y el afán libertario en medio de un régimen político esclavizante. En la sociedad comunista de Polonia, establecida después de la guerra, surge la “Escuela polaca del Cartel” adquiriendo un gran prestigio, cada artista tenía una diferente tendencia respecto al estilo entre sí, surgen artistas destacados como Miecziyslaw Górowski, Trevkovsky y Heri Tomaszewsky, obteniendo grandes éxitos en los años 60.

Uno de los maestros de la escuela polaca del afiche Wasilewki, nació en Varsovia en 1942, de la mano de un maestro Henryk Tomaszsewski, unos de los impulsores de este movimiento plástico en Polonia, convirtiéndose este en un exponente fundamental. Los afiches de Wasilewki se presentan ante el espectador como un desafío, sus obras se conocen en todo el mundo y han sido premiadas en diferentes bienales y encuentros, y así como ejerce la docencia en la academia de bella artes de Varsovia, como sucesor de Tomas Zewski a enseñado su conceptos y técnicas en Norteamérica en medio oriente y Europa.

Las interpretaciones de Górowski para sucesos y personajes históricos clan hondo y abarcan desde el ciudadano y la patria oprimidos, desde el anuncio de estrenos teatrales.

Existen expositores en Polonia como ya ha sido mencionado antes como: Wolkuski, Staysy Sadowski, el primero demuestra una fortaleza lineal pero un repertorio menos variado, salvo el cartel donde una de las piedras acostumbradas se convierte en un desesperado rostro que clama, Sadowski manifiesta un humor dramático y un paradigma bien evidente, las fisonomías de Ensor.

En cuanto Staysy, sus héroes lucen algo caricaturesco y sus caras reiteradas, mientras portan manos y brazos recogidos directamente de la fotografía. Luego ya independientes de Górowski, aparecen otros participantes de este conjunto representado por la colonia de la embajada en Chile. Weslaw Rosocha, por ejemplo aporta un par de afiches sin color y desplegados bajos claros oscuros nocturnos. Olbinski recoge con propiedad de funciones del teatro lírico. Aparecen las perfectivas arquitectónicas en grises de Cznerniawinski, se prolongan al infinito y cogen al espectador.

Los diseñadores gráficos se unen con los productores de películas, escritores y artistas de las Bellas Artes en la Unión Polaca de Artistas. Las obras de los artistas como Tadeusz Trevkovsky y Heri Tomaszewsky expresaban las trágicas aspiraciones y los recuerdos, que estaban íntimamente ligados al alma y sentimientos nacionales de Polonia en la Posguerra.

El Cartel ha llegado a ser un orgullo nacional en Polonia y su papel en la vida cultural, ha sido de singular importancia. El 1964 se inicia en Varsovia la primera Bienal del Cartel Internacional y en Wilanow, cerca de Varsovia se establece el Muzeum Plakatu, primer museo a nivel de mundial dedicado únicamente al Cartel Artístico. Los diseñadores de carteles polacos han logrado algo que es raro en la historia de las Artes Visuales. A un grupo de artistas individuales se les ha dado la libertad de expresar sus actitudes personales, investigaciones gráficas, y hasta sus fantasías particulares. Durante la década de los 50´s el cartel polaco comenzó a reconocerse en todo el mundo.

La famosa escuela polaca del afiche y las importantes opiniones influenciadas por Górowski.

La escuela ha reflejado la tormentosa historia de este pueblo y sus aspiraciones de libertad e independencia. “Al afiche tiene un carácter utilitario (como ya mencionado), porque alguien manda un proyecto por un motivo muy concreto. La respuesta que se da es muy personal se puede decir que es una creación por invitación”, se dice que el afiche representaba la posibilidad de comunicarse, de mantener arriba el animo del pueblo polaco en medio de una crisis de dominación ideológica. Luego después de la segunda guerra mundial se creo una escuela artística llamada realismo social esta escuela daba cabida solo a las manifestaciones que realizara al régimen, por ejemplo, una representación artística de la labor del trabajador o de los éxitos del desarrollo tecnológico. Se dice que luego de haberse formado la guerra se realizo una forma sistemática en la escuela del afiche, ya que la formaron tanto los artistas que vivieron en el país como los exiliados.

Según Gorowski mediante una entrevista dice: “es autor de una serie de afiches, colaborando con la iglesia especialmente, especialmente cuando el cardenal de su ciudad fue ungido papa y para las peregrinaciones quiso a su país”.

El afiche Polaco tuvo una brillante trayectoria que sobrepaso los 100 años “La Boda” de Stanisla es considerado el primer afiche clásico en la escuela polaca, fue realizado en la ultima década del siglo XIX.

El cartel polaco - Polonia - Hitler - tropas soviéticas - La Unión Polaca de Artistas - Tadeusz Trepkowski - Henryk Tomaszewski - Academia de Bellas Artes de Varsovia - Jan Lenica - Franciszek Starowiejski - Waldemar Swierzy - Roman Cieslewicz - Historia del Diseño Gráfico

Polonia estaba desbastada desde septiembre de 1939, con la invasión de Hitler y las tropas soviéticas provocaron enormes pérdidas humanas, industrias y agricultura debilitadas, y capital, Varsovia, casi destruida. La pintura y el diseño grafico, como muchos otros aspectos de la cultura y sociedad polaca habían dejado de existir. De esta devastación surgió la escuela polaca de carteles artísticos, reconocida internacionalmente.Tras la sociedad comunista, establecida después de la guerra, los clientes son industrias e instituciones controladas por el estado. Los diseñadores gráficos se unen con los productos de películas, escritores y artistas en La Unión Polaca de Artistas, allí se fijan las normas y los honorarios.

El primer artista polaco de carteles que apareció después de la guerra fue Tadeusz Trepkowski (1914-1956), durante la primera década después de la devastación, expreso las trágicas aspiraciones y los recuerdos que estaban profundamente fijados en el alma nacional. Involucraba la reducción de imágenes y palabras hasta que el contenido era sublimado a su más simples presentación. Unas cuantas formas sencillas para simbolizar una ciudad devastada. El famoso cartel antiguerra de 1953 contiene solo la palabra “NO”.

Después de su muerte, Henryk Tomaszewski llegó a ser el cerebro espiritual del diseño grafico, influyó mucho como profesor de la Academia de Bellas Artes de Varsovia.El cartel ha llegado a ser un venero de gran orgullo nacional en Polonia. Las radiodifusiones electrónicas no eran su fuerte tras un país comunista por lo que los carteles se consideraban muy importantes comunicadores de los eventos destacados: culturales, circos, cines, política.

Durante 1950 el cartel polaco comenzó a reconocerse en todo el mundo. El agradable estilo estético predominante era un escape del mundo sombrío de la tragedia a un mundo radiante, decorado con formas y colores. En un montaje casi casual se crearon los diseños de pedazos desgarrados o recortados de papel.

También famoso por sus películas animadas experimentales, Jan Lenica (1928) impulsó el estilo de montaje hacia una comunicación menos inofensiva y mas amenazante. Culminó con un estilo de carteles utilizando curvas de nivel fluidas y estilizadas que se entrelazaban en el espacio y lo dividían en zonas de color con forma e imagen.

La tercera tendencia importante se dirigía hacia la metafísica y el surrealismo. Franciszek Starowiejski fue uno de los primeros diseñadores gráficos que incorporó esta nueva sensibilidad metafísica en su trabajo.

En contrapunto el cartel circense ha florecido como expresión despreocupada de la magia y el encanto de este entretenimiento tradicional. Esta tradición duró hasta 1962 cuando la preocupación por la mediocre calidad en la publicidad de algunos circos inspiró el programa.

Lenica y Staroweijski se unieron a una nueva generación de diseñadores, los cuales anunciaron el peligro de que el cartel polaco podía quedar solo como estilo nacional académico. Es allí cuando aparecen diseñadores, que incluyen a Waldemar Swierzy (1931), que plasmaron visiones únicas y personales, donde el diseñador al igual que el pintor debía buscar su inspiración.

Swiertzy recurre tanto al arte del siglo veinte como al arte popular, utiliza una gran variedad de medios. Es famoso su cartel de Jimi Hendrix, el cual animó con turbulentos gestos, de gran calidad espontánea.

Un artista exiliado y radicado en Paris desde 1930, fue Roman Cieslewicz (1930), quien toma el cartel y lo transforma en un medio metafísico para expresar ideas profundas difíciles de expresar verbalmente. Incluye en sus trabajos: collage, montaje e imágenes de medio tono amplificadas a una escala que transforma los puntos en texturas tangibles. La máxima expresión de los carteles polacos se encontró en sus manos.

Algunos trabajitos

2010-04-21T15:39:00.000-07:00

Memorias de una Geisha

2009-10-23T06:44:00.001-07:00

Memorias de una Geisha, originalmente cargada por noebysosa.

Afiche para Cultura II para pelicula Memorias de una Geisha

Costanera

2009-10-23T06:42:00.001-07:00

costanera3, originalmente cargada por noebysosa.

Mas de mi tarde de fotos en Punta Arenas

Totem costanera

2009-10-23T06:41:00.001-07:00

totem costanera, originalmente cargada por noebysosa.

Foto en la Costanera de Punta Arenas. Linda tarde.

Pic Love

2009-10-23T06:40:00.001-07:00

para mi amor, originalmente cargada por noebysosa.

Foto para Ozzy

Expo Diseño

2009-09-25T20:14:00.000-07:00

Afiche que realicé para un trabajo de Taller II

Neoplasticismo

2009-09-17T21:03:00.000-07:00

(De Stijl) 1919-1925

Antecedentes
De Stijl fue una alianza de artistas, arquitectos y diseñadores unidos por el pintor y arquitecto holandés Theo van Doesburg en 1917.
A pesar de su neutralidad, los Países Bajos sufrieron también las consecuencias de la primera guerra mundial, y la misión del grupo De Stijl era crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía.

Época de Desarrollo
Holanda, 1919-1925

Principales hitos de la época
• El fin de La primera Guerra mundial 1914 -1918

Estilos precedentes e influencias:
El movimiento De Stijl está relacionado con el Cubismo, al que se considera como inmediato precedente, pero se distingue del mismo por negar el volumen.
Los miembros de De Stijl creían que el Cubismo no había ido suficientemente lejos en el desarrollo de la abstracción, y que el expresionismo resultaba demasiado subjetivo.

Exponentes Representativos
Piet Mondrian
Theo Van Doesburg
Bart Van Der Leck
Vilmos Huszar
Georges Vantongerloo
Jacobus Joannes Pieter Oud
Jan Wils
Friedrich Kiesler
Gerrit Rietveld

Características Conceptuales
Para describir este estilo reductor Mondrian forjó el término Neoplasticismo. En 1917 escribió: "Estos medios plásticos
universales se descubrieron en la pintura moderna a través del proceso de la abstracción de la forma y del color: una vez que esto fue descubierto, emergió, en su mayor parte por propia voluntad, una plástica exacta de relaciones puras; de ahí a la esencia de toda emoción de belleza plástica".

El hecho de que Mondrian y Van Doesburg creyeran que habían llegado a la fórmula definitiva para este nuevo arte explica el nombre del grupo, De Stijl.
Así como su lema:
"EI objeto de la naturaleza es el hombre. El objeto del hombre es el estilo".

"La nueva imagen del mundo" en la que había señalado que "los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son: la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la tierra alrededor del sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos, que tiene su origen en el centro del sol".

Características formales
De Stijl, “El Estilo”, propone una estética renovadora basada en la depuración formal.
Fue un movimiento integrador de las distintas artes.
La utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y zonas rectangulares de colores lisos caracterizan su obra de esa época. Al evolucionar, su gama se reduciría eventualmente al empleo de los colores primarios: el rojo, el amarillo y el azul y los colores neutros: blanco, negro y gris.
Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales:
líneas, planos y cubos. De ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.
Colores planos, de carácter saturado o tonal.
Empleo de fondos claros.
Las superficies coloreadas se distribuyen y yuxtaponen hasta formar una organización y significación plásticas consideradas
como "arte puro".

El color fue usado no como una ocurrencia tardía o decoración, sino como un elemento estructural importante. El rojo fue favorecido como segundo color en la impresión porque, además de su poder gráfico para competir con el negro, significaba revolución.
Composición con rojo, amarillo y azul: Los tres colores puros ordenan la realidad física. Cada rectángulo constituye un módulo estático, su yuxtaposición genera un ritmo, un dinamismo.

El punto de partida en el Neoplasticismo es el espacio, que al ser estructurado, hace surgir la forma.
Es un planteamiento totalmente racionalista.
Su objetivo es armonizar el espacio, la forma y el color.
Busca la renovación estética y la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.
Busca la purificación del arte rechazando la representación artística. los valores externos y las expresiones subjetivas.

De Stijl fue, al principio, una revista dedicada a la arquitectura, el diseño de objetos domésticos.
Fundada en Leyden, Holanda, por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, surgió en 1917 y duró hasta 1931.
Vendría a constituir un foro donde se discutiría el camino que el arte moderno debería adoptar.
Publicaron en la revista críticas, teorías y manifiestos .

La revista De Stijl:
Se planteó como objetivo contribuir al desarrollo de un nuevo sentido estético.
Quiso hacer al hombre moderno sensible.
Quiso reunir y coordinar las tendencias actuales de la nueva plástica, para establecer relaciones entre el artista, el público y los aficionados a las diversas artes plásticas.
Hará desaparecer el prejuicio en virtud del cual el artista moderno trabaja siguiendo teorías preestablecidas.

Con estos ocho puntos comienza el fin de la primera etapa del Stijl, que se inicia con la separación de sus miembros y contribuyentes, y con la aparición de Gerrit Rietveld con la creación de la silla roja azul, que es una pieza de mobiliario que aportó la primera oportunidad para una proyección de la estética neoplástica, diseñada entre 1918 y 1920.

La nueva etapa
En este período se establecen algunos de los puntos más significativos del movimiento que son:
La arquitectura, la forma, la economía, la funcionalidad, el no reconocer ningún tipo de autocontenido, ninguna forma básica, el cambio del concepto de monumentalidad a las nociones de grande y pequeño, el no reconocer ninguna parte pasiva, la planta, el espacio y tiempo, la simetría y repetición, el contraste con el frontalismo, el color, el antidecorativismo, como síntesis del nuevo plasticismo.

La arquitectura de De Stijl muestra una claridad, una austeridad y un orden similares a los de la pintura del grupo, y el lenguaje geométrico abstracto de la pintura neoplástica (líneas rectas, ángulos rectos y superficies limpias) encontró expresión en objetos de tres dimensiones.

La tercera y última fase de la actividad de De Stijl, que duró desde 1925 hasta 1931, se debe a una disputa entre Mondrian y Van Doesburg a causa de la introducción por parte de este último de la diagonal en sus pinturas, una modificación del neoplasticismo que denominó elementarismo en una serie denominada “contraposiciones”, lo que llevó a Mondrian a abandonar el grupo.
"Tras tu arbitraria mejora del neoplasticismo, cualquier cooperación es imposible para mí", escribió Mondrian a su antiguo amigo.

ART DECO

2009-09-17T20:59:00.000-07:00

1925 – 1939

Se utilizó principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus formas estilizadas transmitían elegancia y sofisticación.

El término Art Deco se aplicó en 1925, cuando se celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París.

El ART DECO surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del ART NOVEAU, y a la vez como una estética nueva para celebrar el auge de la maquinización.

Su principal característica es el uso de líneas definidas, contornos nítidos, y formas elegantes y simétricas.

Utilización de los colores primarios brillantes, cromados, esmaltes y piedras muy pulidas.

Diseños de inspiración egipcia o griega.

Egipcia, de formas geométricas y vistosos colores.

Africana, abstracción de las formas hasta la omisión de detalles no esenciales.

Tipo de ilustración vinculada: esquematización, planimetría, líneas estilizadas y la moda como temática del estilo.

Principales exponentes:

Paul Poiret modisto.

René Lalique joyero y vidriero.

EMILE JACQUES RUHLMANN, en mobiliario.

JEAN DUNAND, en laqueado.

JEAN PUIFORCAT, en los trabajos en plata.

Tuvo influencia de las escenografías orientales y exóticos colores, del organizador de eventos Sergei Diaguilev que utilizó en los ballets rusos.

La tumba del faraón que se abrió en 1922, puso de moda los motivos egipcios.

El cubismo, con su elegante estética geométrica.

Tipografía ART DECO.

Rasgos geométricos simples, con toques caprichosos.

Unión de trazos finos y gruesos hasta el límite de la legibilidad.

PAUL FOLLOT desarrolló motivos selváticos, como tigres, panteras y serpientes.

EN FRANCIA:

TAMARA DE LEMPICKA. Retratos estilizados de bellas mujeres, posando entre planos yuxtapuestos de patrones y colores metálicos.

COCO CHANEL. Juventud y elegancia. Incorporó a la moda los vestidos intemporales de dos piezas y la joyería de fantasía.

Muebles. Adornos de profusos patrones geométricos. Modernista y funcionalista. Mezcla de materiales.

René Lalique se inspiraba en la naturaleza y la metodología griega para sus diseños.

Motivos recurrentes:

Uso de la figura femenina de inspiración mitológica, realizadas en cerámica, bronce o marfil.

Mezcla de texturas y materiales, característico del estilo.

Decoración:

Profusión de materiales preciosos y elegantes diseños. Producían un “efecto riqueza”.

ESTADOS UNIDOS

Se fue haciendo más lineal y geométrico al aumentar la producción en serie. Se plasmó en objetos tan diversos como locomotoras, rascacielos, restaurantes de carreteras, aparatos de radio, maquinas de discos y grandes anuncios.

Edificio Crhysler, obra maestra de la arquitectura ART DECO.

A partir de 1935 éste estilo decayó, pero en 1960 y 1970 volvió a retomar el favor del público.

El empleo de la línea recta en diferentes combinaciones es la principal característica, principalmente en zigzag.

Utilizaban diversos materiales.

Estilo Hollywood

Utilizado en la mayoría de los teatros de california.

Diseño Carteles:

Dinámicos usos espaciales en la diagramación, estilización de las formas, tintas planas, nuevas tipografías propias del estilo.

Exigían una mano atrevida y desinhibida.

Fascinación por el ritmo frenético de la vida moderna.

El mensaje y el estilo se fundieron en una celebración a los viajes y a la velocidad.

El legado ART DECO.

Los colores fuertes y las superficies relucientes representaban el espíritu de la época, expresando acción positiva, velocidad y estilo.

Abundan rayos de sol, cataratas, nubes, flora y fauna, estilizados en diseños geométricos y abstractos.

Diseños llamativos. En los años 30 se aprecia la influencia del ART DECO tardío, sobre todo en la forma de marcados bloques de color, líneas angulares, y tipografía grande y clara.

Mi Firma Personal

2009-08-30T11:53:00.000-07:00

Nico Sala

2009-08-04T21:06:00.000-07:00

Encontré a Nico Sala y me parecio interesante este afiche. Un ojo afinado y una mente creativa.

BAUHAUS (1919-1933)

2009-06-24T09:03:00.000-07:00

Al comienzo del siglo XX se vio la urgencia de generar masivamente productos que satisfacieran las necesidades de un mercado cada vez más amplio y exigente. En otras palabras, se requerían productos que pudieran ser adquiridos por cualquier persona, evitando así que circularan solamente en una clase social o en una elite reducida. La demanda de más y mejores bienes impulsó y obligó a los talleres de arte y de mano de obra a convertirse en diseñadores industriales.

Bauhaus, etimológicamente significa, Casa de Construcción.

Antecedentes
La Bauhaus fue una escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño.
Basada en los principios del escritor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts,
la Bauhaus sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.

Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto alemán Walter Gropius, que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios.
La filosofía de Gropius se basaba en integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos.

Exponentes Representativos
Algunos arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy, el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.

Época de Desarrollo
• Alemania 1919 - 1933.
Principales hitos de la época
• La Gran Depresión del ‘29

Estilos precedentes e influencias directas:
• Expresionismo Alemán (primera etapa)
• Neoplasticismo Holandés y
• Constructivismo Ruso (segunda etapa)

Características Conceptuales
• Integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos.
• Se convocaba a unir esfuerzos en busca de la construcción de la “obra de arte total”, la cual se expresa en la obra de arquitectura.

Características Técnicas
Uso de diversos materialidades:
Piedra, madera, cerámica, metales, tejidos textiles, vidrio.
También había talleres de tipografía, fotografía y murales.

Esta aventura comenzada en Weimar, tuvo en Gropius al personaje aglutinador que supo coordinar las variadas tendencias ideológicas, artísticas y religiosas
de los docentes. En la primera etapa de la escuela, desde 1919 hasta 1923, predominó la vertiente de la vanguardia alemana expresionista.

La teoría de la Bauhaus sobre la enseñanza del diseño incluía un artista y un técnico en cada salón de clase. De esta manera, los alumnos usaban su creatividad de forma libre y, simultáneamente, aprendían la técnica. Los alumnos eran requeridos en los talleres por periodos cortos, con el fin de que entendieran la tecnología para la que posteriormente diseñarían.

El primer maestro del curso preliminar (Vorkurs), el suizo Johannes Itten, impulsó una enseñanza basada en el expresionismo pictórico, en la meditación de filosofías y religiones orientales y en la pedagogía de "aprender haciendo".
El plan de estudios original que luego se modificó, proponía una serie de talleres, semejantes al de una escuela de oficios, a realizar concluido el ciclo preliminar, donde lo distintivo de cada uno era el trabajo usando un material base como piedra, madera, cerámica, metales, tejidos textiles.
También había talleres de tipografía, fotografía y murales.

Se buscaba al diseñador universal.
También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial
moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

Así, el círculo era "fluido y central", el cuadrado resultaba "sereno" y el triángulo, "diagonal". Más adelante, en el arte y en la escultura de la Bauhaus se tomó este mismo concepto con el que trabajaron Wassily Kandinsky, Paul Klee y Johannes Itten.

Características formales
Se creía que las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida.
En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado.

Las tendencias expresionistas de la primera etapa, fueron sustituidas a partir de 1923 por el Neoplasticismo holandés y el Constructivismo ruso.
En este cambio es clave la sustitución de Itten por Lazlo Moholy Nagy, de origen húngaro. El cual buscó superar lo pictórico del enfoque expresionista por el énfasis en la experiencia de lo sistemático y el uso de los materiales y objetos seriados de posible uso industrial.

El período de Weimar se termina con la crisis financiera de esta escuela estatal y tras largas y difíciles negociaciones la escuela se muda a Dessau en 1925, inaugurando un edificio, diseñado especialmente en hormigón armado y con ventanales en muro cortina, paradigma de la arquitectura moderna.

El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.

Debido a los problemas sociales y económicos del momento, se trataba de crear productos que fueran funcionales pero que a la vez presentaran un diseño atractivo para el mercado, manteniendo bajos los costos de producción. Para lograrlo, se empezó a producir con materiales comunes y baratos como el metal, el vidrio, el cristal y la madera, entre otros.

En 1928, Gropius deja la Bauhaus y el arquitecto Hannes Meyer se convierte en su director. Promueve en la escuela un funcionalismo más dogmático: el predominio de la función sobre la forma; la interrelación estrecha entre, por un lado, la arquitectura y el diseño y, por otro, las ciencias aplicadas; la adecuación de la vivienda a los recursos y necesidades humanas; y una efectiva planificación urbana.

Los productos resultantes se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva. por el contrario, poseían líneas limpias y claras, formas geométricas
sencillas y, de manera característica, daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano.

Clásico diseño de lámpara de mesa, hecha por Wilhem Wagenfeld, que conjunta el vidrio y el cristal con formas básicas como el círculo y el cilindro en líneas rectas y sencillas. En esta lámpara se lee con claridad el programa de la Bauhaus de la época: la acentuada utilización de materiales técnicos (metal y cristal), la transparencia de la función en cada uno de sus componentes y una forma estética basada en la armonía de cuerpos básicos simples.
Esta lámpara constituye uno de los primeros productos del diseño industrial.

El Diseño Gráfico y la fotografía diseño
Junto a la enseñanza de la tipografía, las materias Publicidad y Creación de Espacios adquieren también categoría de asignatura en 1925, a las que se homologa asimismo la escritura, esporádicamente impartida desde la fundación de la Bauhaus, dándole carácter obligatorio para el primer y segundo semestre, bajo la dirección del ex alumno Joost Schmidt. De la tipografía, la publicidad y la creación de espacios se ocupa el también ex alumno Herbert Bayer.

El impulso decisivo para la preocupación por la fotografía fue dado por László Moholy-Nagy en 1923.
De acuerdo con el vanguardismo ruso, la fotografía era, a los ojos de Moholy-Nagy, el medio creativo ideal para una “nueva visión”. El buscó en este “diseño puro” de las nuevas posibilidades ligeras de la opinión y de la interpretación de un mundo nuevo, transformadas radicalmente por el impacto de la tecnología moderna.

En los primeros años de la Bauhaus en Weimar, la tipografía todavía no desempeñaba un rol importante.
Para Itten y Lothar Schreyer, la tipografía o caligrafía era un medio de expresión, pero no objeto de estudio y desarrollo.
Al principio, su uso era circunstancial y restringido al uso práctico relativo a los impresos misceláneos.
La voluntad de Moholy-Nagy en 1923 de introducir las ideas de la Nueva Tipografía o Tipografía Elemental a la Bauhaus, hizo que la situación cambiara radicalmente. El consideraba el “mecanografiado” como un medio de comunicaciones, y
era partidario de la “claridad del mensaje en su forma más enfática”.

Las características del diseño gráfico de la Bauhaus estaban claras:
impresos sin adornos, la articulación y acentuación de páginas con símbolos distintos o de elementos tipográficos estacados en color, y la información finalmente directa en una combinación del texto y de la fotografía, para la cual el nombre “Typofoto” fue creado.

En Weimar, al lado de Moholy-Nagy, Joost Schmidt y Herbert Bayer también se habían interesado profundamente en la tipografía.
En Dessau, Bayer asumió el control del taller nuevamente instalado para imprimir y anunciar y lo transformó rápidamente en un estudio.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y diseño gráfico. Puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus, estas dos profesiones no existían como tal y fueron
concebidas dentro de esta escuela.
Sin duda, la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría
todos los ámbitos de la vida cotidiana.

En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies Van Der Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo.
Muchos de sus miembros emigraron a estados unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la
arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo conocido como Estilo Internacional.

La Bauhaus no sólo fue la cuna de grandes diseñadores, arquitectos y artistas del siglo XX, sino que también marca un hito en la historia del hombre, como el momento en el que la mente se abre totalmente y se empieza a tomar en cuenta el peso de la tecnología y materiales que no estaban explotados. Marca la escuela de las artes gráficas y le da el peso y fundamento que ésta necesitaba.

New Tipography (1923-1935)

2009-06-24T08:51:00.000-07:00

“La tipografía debe ser vista como algo más que un puente entre la escritura y la impresión o como una manifestación del lenguaje: es una guía cultural con la que pueden ser examinados una variedad de fenómenos sociales”.

Antecedentes

El final de la Primera Guerra Mundial abre la necesidad de encontrar nuevos caminos.

Esto se manifiesta en los movimientos revolucionarios de la época que aspiran a una renovación radical de la cultura.

Si el expresionismo situaba en los años veinte el corazón de la creación en la emoción y en el individuo, la "tipografía elemental" se desarrolla a partir de las formas claras y reduccionistas del constructivismo y constituirá la base del modelo informativo y práctico que marcará la comunicación visual en el siglo XX.

La Nueva Tipografía.

Surgió en las primeras décadas del siglo XX, y vivió su máximo apogeo entre los años 1922 a1936.

Su máximo exponente fue Jan Tschichold.

Alemán nacido en 1902 hijo de un diseñador y pintor de anuncios comerciales, estudió en la academia de Leipzig en la que desarrolló un temprano interés por la caligrafía. A los 21 años Tschichold asistió a la primera exposición de la Bauhaus en Weimar, y quedó profundamente impresionado. De inmediato asimiló los nuevos conceptos de diseño de

la Bauhaus y de los constructivistas rusos en su trabajo y comenzó a practicar la nueva tipografía.

Fue un movimiento que tuvo poca aceptación por algunos personajes de la sociedad debido a que se manifestaban nuevas ideas y conceptos distintos a los de la época.

El "nuevo arte", la "nueva tipografía" son destinatarios de severas críticas.

El poder político está especialmente interesado en suprimir las vanguardias.

En la Unión Soviética se condena al "nuevo arte"; en Alemania es etiquetado como "arte degenerado"

En 1928 aparece publicada la “New Typography” , por Jan Tschichold , libro que se consagró como uno de los mejores libros de tipografía de la historia.

Jan Tschichold nació a comienzos del siglo XX y esto lo hizo madurar en una época de enorme cambio social y estético. Una época que había visto el nacimiento de la pintura moderna y de la música de vanguardia, pero también de la electrificación, del telégrafo inalámbrico, de la radio, del automóvil, de la aviación...

En todo ello se mezclaba un cambio social que afectaba a valores básicos de la cultura, con el desarrollo de un mundo industrial como jamás había sido conocido.

Características formales

Su estilo se concentra en la claridad formal y la eliminación de motivos ornamentales superfluos, la asimetría de la puesta en página y el uso restringido de tipografías.

Jan Tschichold presentó algunos principios para obtener un diseño completamente funcional y estos son:
- Claridad en la comunicación.

- Expresión visual de las relaciones entre las formas.
- Organización lógica de los textos.
- Uso del color para mejorar la funcionalidad del mensaje.

- Estandarización.
- Asimetría en la composición de las páginas.
- Letras de palo seco como representativas de la época.
- Alfabeto compuesto exclusivamente de letras minúsculas.

"El ingeniero da forma a nuestra era. Las marcas de su trabajo son: economía, precisión, uso de formas puras y constructivas que se corresponden con la función.

Nada es más representativo de nuestra edad que este testimonio de la genial inventiva del ingeniero"

Uno de sus últimos trabajos en tipografía fue el diseño de una nueva romana, que pudiera utilizarse en diferentes máquinas, como linotipia y monotipia, además de composición manual.

De tal encargo nació la familia "Sabon", una de las letras más bellas y funcionales diseñadas en el siglo XX, con mayúsculas extraordinarias y un trazado perfecto para las minúsculas.

Eric Gill

Nació el 22 de febrero de 1882 en Inglaterra. Su primera tipografía, que más tarde se conocería como Perpetua (1928), tardó cinco años en convertirse en realidad ya que para Gill era difícil resolver los problemas que se presentaban en la creación de tipos para producción mecánica.

Paul Renner

Nació en Alemania en 1878. Trabajó como diseñador gráfico, tipógrafo, pintor y maestro. Si bien el no estaba directamente relacionado con el movimiento Bahuaus de los años 20, pronto pasó a defender sus posturas y convertirse en un ferviente defensor de la Nueva Tipografía.

En 1926 es nombrado director de la Escuela de Oficios de Impresión en Munich y asimismo es cofundador y

director de la Escuela de Maestros para Impresores.

Stanley Morison

Nació el 6 de mayo de 1889 en Inglaterra. En 1921 se asoció a Cloister Press y fue uno de los miembros fundadores de la Fleuron Society así como editor de su revista de tipografía The Fleuron. Los volúmenes 5, 6 y 7 de la revista fueron editados por el propio Morison, y el último número en el año 1930.

Fue en esta revista donde publicó sus famosos “Principios Fundamentales de Tipografía”.

Su contenido didáctico, diseño y soberbia impresión hicieron de The Fleuron, incluso en la actualidad, un referente de la excelencia tipográfica.

En 1932, Stanley Morison basándose en el tipo romano Plantin crea la tipografía llamada Times New Roman para el diario The Times, que se convirtió en uno de los tipos más usados del mundo.

Rechazando las tipografías con serif utilizadas hasta entonces y la puesta en página con un eje simétrico, los pioneros del estilo moderno buscaron un nuevo estilo acorde con los desarrollos tecnológicos del momento y que plasmara la realidad de una nueva época.

Conceptual y estilísticamente, los tipos sans-serif (palo seco)son elegidos como los más apropiados para reflejar los nuevos tiempos. La "tipografía elemental" reclama poner fin a la confusión estilística de los períodos precedentes.

La nueva tipografía es distinguida de la antigua o clásica por el hecho de que su primer objetivo es desarrollar su forma visible fuera de las funciones del texto.

“Cada uno de los diseñadores que han inscrito su nombre en la historia de la tipografía ha sido a su vez un polemista (provocador), un pensador y un gran diseñador. Y el resultado es una rica historia, sistemas lógicos y excelentes diseños”.

Constructivismo Ruso (1912-1932)

2009-06-17T15:34:00.000-07:00

Antecedentes.
La década iniciada en el año 1910 con las conferencias de Marinetti en Rusia, vio a los artistas de esa nación absorber las nuevas ideas del cubismo y del futurismo con una rapidez sorprendente para después continuar hacia diferentes innovaciones.

La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria.

Época de Desarrollo
Rusia 1912- 1932.

Principales hitos de la época
• La primera Guerra mundial 1914 -1918
Revolución Rusa de 1917

Exponentes Representativos
• Kasimir Malevich (inició con el suprematismo)
• Vladimir Tatlin (padre del constructivismo)
• Alexander Rodchenko (pintor)
• Aleksei Gan (escribió los principios del constructivismo)
• El Lissitzky (inició el Diseño gráfico)

Estilos precedentes e influencias directas:
• Futurismo Italiano
• Cubismo francés
• Dadaismo

Características Conceptuales:
• Los representantes no ven sus obras como arte.
• Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste lleva.
• Propuestas racionales basadas en la tecnología y la mecánica industrial.
• Los artistas consideraban su trabajo del mismo modo que la actividad de los ingenieros, como un “construir” de objetos utilitarios, aunque frecuentemente éstos tuviesen que crear su propia “finalidad” (inventar un uso).
• Fin social : La “reconstrucción” de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la escenografía.

Características Técnicas
• Uso de la Fotomecánica al mostrar acciones simultáneas; sobreponer imágenes; usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, a menudo juntos; y la repetición rítmica de una imagen constituyeron algunas de las técnicas relacionadas al diseño y al cine.

Características formales
• Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
• Uso de fotografía, las figuras geométricas y las tipografías en bloque.

Kasimir Malevich fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó suprematismo.
Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, Malevich creó una abstracción geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura. Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación gráfica, ya que Malevich buscaba "la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida".

Pensador lógico con un conocimiento lúcido, Malevich se dio cuenta de que la esencia de la experiencia artística es el efecto perceptivo del color. Para demostrarlo, en el año 1913 Malevich expuso un cuadrado negro pintado sobre un fondo blanco. Afirmaba que el sentimiento evocado por este contraste era la esencia del arte.

El movimiento como tal “surgió en 1920, en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas”.
El padre del Constructivismo fue Vladimir Tatlin, que fue influido inicialmente por las esculturas cubistas realizadas por Picasso con diversos objetos ensamblados.
El objetivo de Tatlin era liberar al arte de toda interpretación emocional y burguesa de la realidad en favor de un nuevo lenguaje abstracto, de elementos correlacionados, estructuras internas, energías y tensiones espaciales, basado en las propuestas racionales de la tecnología y de la mecánica industrial.

Guiados por Tatlin y Alexander Rodchenko en el año 1921, veinticinco artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.

Aleisek Gan escribió que los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción.
La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual.
La textura significaba la naturaleza de los materiales y cómo son empleados en
la producción industrial.
La construcción simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual.

Quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista fue El Lissitzky (Lazar Markovich), pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Este visionario de energía y constancia inagotables influyó profundamente en el curso del diseño gráfico.

PROUNS
Lissitzky desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS.
PROUNS, según Lissitzky corresponde a "un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura".
Esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura; También muestra que el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los conceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna al diseño aplicado.
Al rebelarse contra las restricciones de la tipografía metálica, Lissitzky utilizaba a menudo la construcción con instrumentos de dibujo y maqueta para realizar sus diseños. En el año 1925, predijo acertadamente que el sistema de Gutemberg pertenecía al pasado y que los procesos fotomecánicos reemplazarían a los tipos de metal y abrirían nuevos horizontes para el diseño, tal como la radio había reemplazado al telégrafo.

Por medio de su responsabilidad social y el compromiso con su pueblo, de su dominio de la tecnología para servir a sus propósitos y de su visión creativa. El Lisstzky estableció una pauta de excelencia para el diseñador.
El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y
la tipografía del siglo XX
El Constructivismo influyó de modo determinante en la evolución artística y arquitectónica de los años veinte, hasta el punto de que se crearon numerosas asociaciones, como:
VCHUTEMAS (Taller Artístico Técnico Superior), que fue el principal centro de experimentación en Rusia;
ASNOVA (Asociación de Nuevos Arquitectos); y
OSA (Sociedad de Arquitectos Contemporáneos), entre otras.

Vadafone Australia

2009-06-16T09:42:00.000-07:00

Estos son carteles de la Campaña de Vodafone Australia.
Muy bueno el uso de la tipografia y colores.
Me encantó!

Más en AMI

Butterscotch

2009-06-16T04:06:00.000-07:00

M E E N C A N T A!
Esta tipa si que la tiene clara!

Ella es Buttercotch, una ex concursante de America Got Talent 2009 y quedó entre los 3 mejores del concurso.

Canta, toca el piano y hace b-box. Y a esto hay que sumarle que solo tiene 16 años, que es muy linda y una excelente actitud en el ecenario.
El que no la contrate sería un tonto.

Calentamiento Global

2009-06-12T15:29:00.000-07:00

Una producción que me pareció interesante y muy acertada.

la encontré en Mike7

Expresionismo Alemán (1911-1917)

2009-06-09T21:12:00.000-07:00

Antecedentes
El movimiento expresionista surgió en Alemania a finales del siglo XIX y principios del XX como reacción a los cánones clásicos que imperaban en aquel momento y que tenían una escasa renovación.
Los expresionistas rompieron con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la deformación de la realidad.

Principales hitos de la época:
La primera Guerra mundial 1914 -1918
A finales del siglo XIX, Inglaterra dominaba el mundo tecnológico, financiero, económico y sobre todo político. Alemania y Estados Unidos le disputaban el predominio industrial y comercial.

Estilos precedentes:
• Victoriano
• Arts&Crafts
• Art Nouveau
• Plakatstil
• Wiener Werksttate

Influencias artística:
Fauvismo: Es un movimiento pictórico expresionista de principios del siglo XX surgido en París durante un breve período (1904-1907). Liderado por Henri Matisse (1869-1954), surgió por oposición al tono de felicidad y ligereza propio de los impresionistas; también se oponía al ornamentalismo del Art Nouveau y a la evasión espiritualista del Simbolismo. Pronto se convirtió en el grupo más experimental de París al proclamar la libertad de expresión a través del popo de los colores puros, la exageración del dibujo y las perspectivas forzadas.

Influencias del expresionismo pictórico
Edvard Munch fue un pintor noruego, y es a quien se considera como el verdadero impulsor de lo que sería el expresionismo como vanguardia pictórica.

Los expresionistas se sintieron fuertemente atraídos por el primitivismo negro y por el mito del salvaje.
Su búsqueda del paraíso se centró más en la concreción de lo primordial que en actitudes escapistas, plasmando su
sentimiento trágico de la naturaleza y su inspiración, de carácter psicológico e instintivo.

Características conceptuales:
El Expresionismo estuvo muy marcado por el pesimismo que reinaba en la Europa de entreguerras, lo que les llevó a representar el miedo, el horror y la fealdad en muchas de sus obras. La característica de este movimiento es la exteriorización de los sentimientos, sin buscar la belleza ni ningún valor estético. La intensidad de la expresión sincera y dramática aún a costa de la expresión formal.

Características Formales:
El artista pretende que el espectador experimente un impacto fundamentalmente emotivo ante las obras, respondiendo al uso desmedido de colores, a la disformidad, a la agresividad en la composición. El artista se manifiesta exaltando el lado oscuro de los elementos que representa: personajes, situaciones, actitudes, objetos... mostrándolo a través de deformaciones haciendo hincapié en lo grotesco y llegando a la caricatura.
Convierten la gráfica en arte mayor, de efectos casi monumentales. Se caracterizan por figuras con trazos gruesos, siluetas rudas, yuxtaponen contrastando grandes superficies y formas complejas en blanco y negro.

Características Técnicas:
Todos los autores coinciden en señalar que la gran aportación de los exponentes expresionistas, fue la renovación que hicieron de la xilografía, cuya práctica convirtieron en el recurso favorito de expresión artística.
A partir de ese momento todos los componentes comenzaron a experimentar con el grabado para posteriormente interesarse por la xilografía o estampado en madera. Esta técnica, les permitió por una parte entroncar con las propias raíces del arte alemán. a la vez que, por las propias cualidades intrínsecas que presentaba, les posibilitó la consecución de las formas toscas, ásperas y torpes que perseguían, tan alejadas de los ideales tradicionales de proporción y belleza contra los que encarecidamente lucharon.
La influencia de la xilografía se reflejó de modo más que notable en sus pinturas caracterizadas por las formas aristadas, cortantes, la simplificación compositiva y la confrontación colores así como el empleo de blancos y negros, tratamiento de contornos, deformación, descomposición y plasticidad de las figuras
Del mismo modo, la xilografía se convirtió en el principal medio de divulgación de su obra y en su principal fuente de ingresos. Con ella lograron uno de sus ideales: la difusión y acercamiento de su arte al gran público.

El Expresionismo en el Cine y el Teatro
Con la aparición de la película El gabinete del doctor Caligari, en 1919, Robert Wiene se convirtió en uno de los primeros directores que introducía elementos claramente expresionistas en el cine. En este medio se llega al simbolismo a través de los decorados, las luces, el vestuario y la interpretación de los personajes, elementos que aspiraban a mostrar a través de la gran pantalla una óptica deformada de la realidad.

Exponentes Representativos:
Ernst Ludwig Kirchner
Emil Nolde
Franz Marc
Max Pechstein
Hanz Poelzig
Oskar Kokoschka
Paul Leni
Gustav Macke

Grupos expresionistas

Die Brücke (El Puente)

Die Brücke constituyó el primer grupo expresionista surgido en la ciudad alemana de Dresde en 1905. Sus creadores fueron cuatro jóvenes entusiastas y vigorosos estudiantes de arquitectura, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl, que pronto abandonaron su formación inicial para dedicarse por entero a la pintura, concebida por todos ellos como el único y auténtico medio de expresión de sus ideales, sentimientos y emociones.
Schmidt-Rottluff entendió que la palabra puente se prestaba a la perfección a los ideales del grupo, fundamentados sobre la convicción de que su arte serviría para romper con las convenciones establecidas y dictadas por la sociedad, de modo que, como auténticos pontífices, en el sentido metafórico de hacedores de puentes de la realidad que ansiaban, sirviesen de enganche entre el nuevo arte y la sociedad, mostrando un grado de compromiso y un activismo que en la práctica no fue extremadamente radical.

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul)

Sus máximos representantes fueron Vassily Kandinsky y Franz Marc, sus fundadores; el resto del grupo lo componen Gustav Macke, Javlensky y Paul Klee. El nombre de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) deriva de la admiración de Kandinsky por los jinetes y de Marc por los caballos.
Los artistas del Der Blaue Reiter distorsionan las formas y recurren al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva. Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.
Protagonizan sus obras elementos tales como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes. Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.

Dadaísmo (1914-1924)

2009-06-05T18:05:00.000-07:00

Manifiesto dadaísta:

“No estoy ni en pro ni en contra, y además, no lo explico, porque detesto el sentido común...”

Abolición de la memoria: dadá.

Abolición de la arqueología: dadá.

Abolición del futuro: dadá.

Creencia absoluta en cada dios producto inmediato de la espontaneidad: dadá.

Antecedentes:

El movimiento Dadá se desarrolló espontáneamente como un movimiento literario después de que el poeta Hugo Ball abrió el Cabaret Voltaire en Zurich, en la neutral Suiza -que a la sazón era el centro de reunión intelectual donde convergieron algunos de los disidentes de otras escuelas y corrientes previas, como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés- como un lugar de reunión para poetas, pintores y músicos jóvenes independientes.

Época de Desarrollo:

Europa, Suiza 1914- 1924.

Principales hitos de la época:

La primera Guerra mundial 1914 -1918

Exponentes representativos:

Zurich (Suiza):

Hugo Ball, Triztan Tzara, Marcel Janco, Marcel Duchamp, Hans Arp (Jean Arp), Sophie Tauber-Arp.

Berlín (Alemania):

Raoul Hausmann, Hannah Hoch, Georges

Grosz, Helmut Herzfelde (John Heartfield),

Wieland Herzfelde.

Colonia (Alemania):

Max Ernst.

Hanover (Alemania);

Kurt Schwitters.

París (Francia)

Francis Picabia

Nueva York (E.E.U.U.)

Francis Picabia, Marcel Duchamp, Man Ray.

Estilos precedentes:

Expresionismo Alemán

Futurismo Italiano

Cubismo francés

Influencias Artísticas

Futurismo

Características Conceptuales:

- Liberación del subconsciente.
- Auge del disparate.
- Expresión libre de la forma artística.
- Eliminación de la composición clásica.
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos.

Los escritores y artistas visuales del dadaísmo estuvieron preocupados por el asombro, por la protesta y por lo absurdo. Se rebelaron con amargura a través de una protesta nihilista contra los horrores de la guerra mundial, la decadencia de la sociedad europea, la superficialidad de la fe ciega en el progreso tecnológico y la inadecuación de la religión y de los códigos morales convencionales de un continente en rebelión. Rechazando toda tradición, buscaron la libertad total.

El dadaísmo proclamaba ser

un anti-arte y poseía un fuerte elemento negativo y destructivo.

Características Técnicas

Los artistas del dadá declararon haber inventado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes

fotográficas fusionadas para elaborar yuxtaposiciones estremecedoras y cambio de asociaciones conceptuales.

Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales y objetos de desecho cotidiano.

Inicio de la Impresión offset (imprenta actual).

Características formales

La colocación al azar de los títulos absurdos caracterizaron su trabajo. Los dadaístas ni siquiera concordaban

en el origen del nombre Dadá, tal era la anarquía que profesaba el movimiento.

Collage con trozos de fotografías.

Objetos cotidianos, manipulados.

El pintor francés Marcel Duchamp se unió al movimiento y se convirtió en su artista visual más prominente.

Al principio, el cubismo influyó en su análisis de temas como planos geométricos, mientras que el futurismo lo inspiró

en la transmisión del tiempo y el movimiento.

Para Duchamp, el más claro portador del dadaísmo, el arte y la vida eran procesos de probabilidad aleatoria y de elección deliberada.

Los actos artísticos se volvieron asuntos de decisión y selección personal. Esta filosofía de libertad absoluta

permitió que

Duchamp creara esculturas ya hechas, como una rueda de bicicleta montada sobre un banco de madera, y exhibiera objetos comunes, por ejemplo un urinario, como arte.

El dadaísmo se propagó desde Zurich a otras ciudades europeas. Los dadaístas decían de sí mismos que no estaban creando arte, sino que estaban burlándose y difamando a una sociedad enloquecida; aún así, varios dadaístas produjeron arte visual significativo e influyeron notablemente en el desarrollo del diseño gráfico.

MERZ

Kurt Schwitters de Hanover, Alemania, creó un descendiente no político del dadaísmo al cual nombró Merz, acuñado a partir de la palabra Kommerz (comercio) en uno de sus collages. Schwitters dio el significado a Merz como el arte de un sólo hombre.

En contraste con los intereses artísticos y constructivistas de Schwitters, los dadaístas berlineses Wieland Herzfelde, John Heartfield y George Grosz mantuvieron fuertes convicciones políticas y revolucionarias y orientaron muchas de sus actividades artísticas hacia la comunicación visual para elevar la conciencia pública y promover el cambio social.

Miembro fundador del movimiento dadaísta en Berlín en 1919, Heartfield empleó separaciones rígidas del fotomontaje como una potente arma de propaganda y realizó innovaciones en la preparación del arte mecánico para la impresión en offset.

Muchas personas aún hoy consideran a la fotografía como una forma de arte de los pobres, y las imágenes de Heartfield se encontraron con una inmediata identificacion y comprensión por parte de la clase trabajadora.

El dadaísmo fue un movimiento liberador que aún continúa inspirando innovación y rebelión.

El dadaísmo nació como protesta contra la guerra, pero sus actividades destructivas y exhibicionistas se volvieron más extremas después que la guerra terminó.

Habiendo llegado en sus actividades negativas hasta el límite, sin contar con un liderazgo unificado y con sus miembros enfrentando las nuevas ideas que eventualmente condujeran al surrealismo, el dadaísmo decayó y dejó de existir como un movimiento coherente a finales de 1922.

Al dadaísmo le debemos el collage, los murales y sobre todo, el haber sacado al arte de los museos y de las casas de los burgueses.

Lo hicieron popular.

El arte no les pertenece, el arte es para el pueblo, para la gente, para que

todos lo contemplen.

Que La Pases Lindo

2009-05-29T21:33:00.000-07:00

Así se llama el blog de Milton! (uno de los tantos que tiene) y uno más bueno que el otro.
Te cuenta de todo un poco, y de la forma que te gusta que te cuenten algo... Sin duda te lo re recomiendo...

Este es un video que encontré en su blog, y como yo soy mujer, salgo en defensa de la locura femenina en todas sus expresiones! jaja

Futurismo Italiano (1906-1943)

2009-05-28T11:03:00.000-07:00

Antecedentes:
El Futurismo es un movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
Su propósito era despertar a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII.
Atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos.

Exponentes Representativos:
Aunque la mayoría de los artistas llamados futuristas se conocieran ya a principios del siglo, el movimiento como tal no surgió hasta el año 1909.
Pintores del movimiento futurista, Humberto Boccioni, Carlo Carrá, Giacomo Balla o Gino Severini, Marinetti y Settimelli.

Estilos Precedentes:
En rechazo a:
• Victoriano
• Arts&Crafts
• Art Nouveau
• Expresionismo

Influencias Artísticas:
Cubismo : Todas las realizaciones futuristas tienen como meta primordial mostrar el movimiento.
Es indudable que las obras futuristas poseen contacto con ciertas manifestaciones cubistas (manipulación del espacio).

Cubismo y Futurismo
Estos tuvieron una gran relación con las teorías del tiempo y espacio.
Transformaron las maneras de formar el espacio y de representar el tiempo en las imágenes visuales.
El cubismo tomó la tarea del espacio, mientras que el futurismo por su parte tomó la del tiempo.
Estos dos movimientos, con sus aparentes diferencias son compatibles si se les considera como una conjunción de un sistema de espacio-tiempo.

Características Conceptuales:
Es un intento de expresar las estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza...
En el fondo, trata de plasmar el mundo moderno y nuevo de las ciudades y los automóviles: su bullicio y dinamismo.
El automóvil, que es un símbolo del mundo técnico, elaborado por los hombres del presente y al mismo tiempo como portador de una nueva dimensión de belleza: la velocidad.

El Futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano.

Características Formales:
Representación plástica del dinamismo y del movimiento basada en el "simultaneísmo": multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo; plasmación de las líneas de fuerza; intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Creación de ritmos mediante formas y colores.
La temática es figurativa: máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento...
Color refulgente, tanto plano como modulado; también transparencias. Al principio el color fue aplicado de manera divisionista, con pincelada fragmentada.

El 20 de febrero de 1909 Filippo Tomasso Marinetti publicó en “Le Figaro” de París un primer Manifiesto en el que proclamó como formas de expresión del futurismo la agresividad, la temeridad, el salto mortal, la bofetada, el puñetazo.

¿Quién es futurista en el arte?
Se dice que lo es “quien piensa y se expresa con originalidad, fuerza, vivacidad, entusiasmo, claridad, simplicidad, agilidad y síntesis. Quien odia las ruinas, las bibliotecas, el culturismo, el profesionalismo, el academicismo, la imitación del pasado.
“Quien quiere rejuvenecer, revigorizar y alegrar el arte, liberándolo de las imitaciones del pasado, del tradicionalismo y del academicismo y alentando todas las creaciones audaces de los jóvenes”.

Es futurista quien va en en contra de la monarquía, el amor y el sentimentalismo, la obsesión de la mujer ideal, el adulterio y la posesión femenina. Quien desprecia el matrimonio. Quien quiere “matar” la antigua Venecia, para crear una Venecia nueva, industrial y militar.
El nombre de este movimiento es propicio para con sus intenciones, su principal actitud es: “mirar hacia el futuro”, quieren ver paisajes artificiales, animales metálicos, juguetes, perfumes y flores futuristas.

Las nuevas teorías se aplicaron también a prácticamente todas las artes: La pintura y la música en 1910, la escultura en 1912, y el teatro en 1915.
Por un lado expresa la voluntad de romper con la tradición, por el otro demuestra una cierta incapacidad de realizarse en formas menos hipotéticas y más actuales. Uno de los aspectos más llamativos del futurismo es, el mito de la victoria: victorias tal vez ficticias, coronadas no por una gloria aristocrática y solitaria, sino por el escándalo en los cafés, en la calle, en las salas de conferencias.

Conclusión
El futurismo fue, buena o mala, una escuela de polémica y de moral; y si usó con eficacia la técnica publicitaria, admitiéndola de golpe en la expresión artística, lo hizo con una finalidad básicamente pedagógica.
El futurismo, pese a su altitud profundamente nihilista (Negación de todo principio religioso, político y social) , constituyó el inicio para otras corrientes posteriores, como el Dadaísmo o incluso el Surrealismo.

Wiener Werksttate (1903-1932) Taller de Viena

2009-05-28T10:41:00.000-07:00

Antecedentes:

Joseph Hoffman y Koloman Moser financiados por Fritz Wandorfer fundan los Talleres de Viena en 1903. También conocidos como Wiener Werksttate o Vienna Workshop.

Estos talleres fueron creados como consecuencia del Secessionismo (Art Nouveau Austriaco), para continuar con el espíritu de los talleres de Morris que unificaban las artes aplicadas (Art&Craft).Se promovió la identificación personal del trabajador con su producto.

Principales hitos de la época:

La primera Guerra mundial 1914 -1918

La Gran Depresión: Fue una crisis económica mundial iniciada en octubre de 1929.

Estilos precedentes:

Arts&Crafts

Art Nouveau austriaco “SECESSION”

Los Talleres:

Incluían carpinteros, encuadernadores, herreros y trabajadores de artículos de cuero gráfico.

Su función era la producción de objetos, realizados según diseño de los artistas de la Secesión. Su finalidad era crear artículos de producción masiva bien diseñados y no basados historicismo trivial.

Durante el primer año se empezó con una pequeña vivienda de distrito IV con un taller para metales y plata;

a finales de 1903, el domicilio social de la empresa se trasladó a la Neustiftgasse 32/34, situándose en el ala abandonada de un edificio. Aquí Hoffmann y Moser habilitaron salas de exposiciones, dibujo, así como talleres para carpinteros, obreros metalúrgicos, de cintas, orfebres, barnizadores, pintores, curtidores y encuadernadores. En sus años de mayor apogeo, la Wiener Werkstätte dio empleo a más de 300 trabajadores.

Las condiciones de trabajo eran para aquella época realmente progresistas. El taller se guiaba por principios democráticos los trabajadores participaban las ganancias al quedar excluido el comercio intermediario. El artesano además no debía actuar como fabricante anónimo sino estar en continuo contacto con el diseñador y el comprador. La innovación revolucionaria vino dada por la firma de los objetos no sólo por el artista sino también por el artesano; el monograma del artista esta escrito en un cuadrado y el del artesano en un círculo. De esta manera se promovió la identificación personal del trabajador con su producto.

Características Conceptuales

Las preocupaciones de los talleres incluían la función, la bondad en los materiales y las proporciones armoniosas. La decoración debía seguir con estas metas.

Diseñadores más representativos de La Wiener

Josef Hoffmann (Austrian, 1870-1956)
Gustav Klimt (Austrian, 1862-1918)
Oskar Kokoschka (Austrian, 1886-1980)
Kolomon Moser (Austrian, 1868-1918)
Egon Schiele (Austrian, 1890-1918)

La crisis económica mundial de 1929 y sus consecuencias supusieron el final del proyecto. En 1932 se liquidó la Wiener Werkstätte y se subastaron las existencias. Con ello concluyó uno de los capítulos más importantes de la historia de la cultura austriaca.

En 1934 la critica acusa públicamente a Joseph Hoffman por mala administración del capital artístico de los talleres y de ser el causante de su ruina.

Todo material de estudio es adquirido en Cultura y Diseño I de la Profesora Alejandra Tapia

Plakatstil (1905-1930)

2009-05-27T16:27:00.000-07:00

• Escuela de Diseño en colores mate simples que se originó en Alemania en el siglo XX.
• Estilo Reduccionista.
• Énfasis en el minimalismo.
• Reduce la comunicación a lo esencial.
• Un color opaco al fondo, una imagen simplificada y grande y una rotulación sencilla y directa.

En Berlín, el poeta Lucien Bernhard, vio un anuncio para un concurso de carteles que patrocinaban las cerillas Priester. Bernhard, quien había sobresalido en arte en la escuela, decidió participar en el concurso.
Ernst Growald, de la empresa litográfica Hollerbaum und Schmidt, fue quien declaró, "Éste es mi primer lugar. He aquí a un genio". Growald convenció al resto del jurado y el primer cartel de Bernhard se convirtió en el ahora famoso cartel de cerillos Priester, el cual redujo la comunicación a una palabra y dos cerillos. El joven artista autodidacta, sustituyó la simplificación y reducción del naturalismo en la comunicación gráfica por un lenguaje de forma y señal más avanzado.
Bernhard estableció el enfoque al cartel empleando formas de colores sin brillo, el nombre y la imagen del producto. Repetiría este enfoque una y otra vez durante las dos décadas siguientes, en las que diseñó más de 300 envolturas para 66 productos con gráficas elementales similares.
En 1911 redujo la marca registrada de los cigarros Manoli a una letra elemental dentro de una forma geométrica impresa en un segundo color. Bernhard fue un diseñador esencial.

En 1912 construyó para los micrómetros Hommel, un hombrecillo de forma mecánica sosteniendo uno de los dispositivos de medición de su cliente.

En la destacada empresa litográfica berlinesa Hollerbaum and Schmidt reconocieron que una importante dirección para el cartel alemán se estaba desarrollando en las manos de Bernhard y otros jóvenes artistas. Esta empresa firmó unos contratos exclusivos con seis de ellos, incluyendo a Bernhard, Hans Rudi Erdt, Julius Gipkens y Julius Klinger.

El cartel va a la guerra.
La tecnología de impresión había avanzado rápidamente.
El cartel alcanzó la cima de su importancia como medio de comunicación durante
la Primera Guerra Mundial (1914-1918).
En este conflicto global, los gobiernos recurrieron al cartel como un medio significativo de propaganda y persuasión visual.
Era necesario reclutar gente para el ejército y levantar la moral pública para conservar el apoyo popular a la guerra.
En este primer conflicto peleado con armas tecnológicas, aeroplanos, dirigibles, artillería pesada y tanques, se realizaban campañas de recolección de fondos que se usarían para financiar la guerra y prevenir la bancarrota del gobierno.
Como los recursos se desviaron hacia la guerra, fue necesario el apoyo del público para la conservación de la energía y el cultivo de huertos familiares con el fin de prevenir el riesgo de una aguda escasez.
Con frecuencia se usó como instrumento de propaganda carteles que mostraban la destrucción de símbolos enemigos o su bandera.
El cartel se convierte en un medio significativo de propaganda y persuasión visual.
Los carteles de las potencias centrales comunicaban ideas complejas a través de grafismos extremadamente simples, convirtiéndolos en poderosos símbolos que aunaban a la opinión pública.
Se integraron las palabras y las Imágenes, y la esencia de la comunicación se transmitió simplificando las imágenes en formas y modelos poderosos.

Un ejemplo muy efectivo es el cartel del diseñador de Colonia, 0tto Lehmann (nacido en 1865), el cual representa a los trabajadores industriales y a los granjeros sosteniendo sobre sus hombros a un soldado que está derribando una bandera inglesa.
El agrupamiento de figuras y el denso rótulo crean una base sólida de la cual el soldado y la bandera empujan hacia arriba en dirección del espacio en blanco.

Tal vez el cartel inglés más efectivo de los años de la guerra es el del reclutamiento militar de 1915 de Alfred Leete(1882-1933) que muestra al popular lord Horatio Kitchener, secretario de guerra británico, apuntando directamente al observador. Esta imagen apareció por primera vez como la portada de la edición del 5 de septiembre de 1914 de la revista London Opinion. Se lee "Únete al ejército de tu país".
El Comité Parlamentario de Reclutamiento obtuvo permiso para convertirlo en esta poderosa confrontación cara a cara que inspiró a cierto número de imitadores.
El cartel diseñado por el norteamericano James Montgomery Flagg, es probablemente el cartel más impreso de la historia, con una unidad por cada tres norteamericanos de la época.
Honrar a los soldados y crear un culto alrededor de los lideres nacionales o figuras simbólicas, fueron dos importantes funciones del cartel; ridiculizar o desacreditar a los líderes de las fuerzas enemigas fue otro.

Principales Exponentes en Alemania:
Lucien Bernhard
1883 - 1972
Ludwig Holwein
1874 - 1949
Hans Rudi Erdt
1883 - 1918
Julius Gipkens
1883 - ¿?
Julius Klinger
1876 - 1950

En Estados Unidos de Norteamérica:
James Mongomery Flagg
1877 - 1960
Joseph Pennel
1851 - 1926
Jesse Wilcox Smith
1863 - 1935

En Inglaterra:
Alfred Leete
1882 - 1933

Dance Flick!

2009-05-23T19:05:00.000-07:00

Esta peli es una especie de Scary Movie mezclando films con mucho ritmo...
Se estrenó ayer, 22 de Mayo en USA, esperemos que llegue pronto a latinoamérica...

Uno de mis Preferidos

2009-05-23T18:46:00.000-07:00

Sin dudas FreeUno es uno de mis diseñadores favoritos, ya que no se limita a una sóla área del diseño, sino que va más allá... además de hacerlo muy bien, está muy metido en la Cultura Hio Hop, por eso es mi favorito!
A parte de tener su propia linea de ropa urbana y hacer tantas otras cosas, trabaja para la revista española Hip Hop Nation.

No puedes darte el lujo de ser lento en caso de emergencia

2009-05-23T17:13:00.000-07:00

Dando vueltas por algunos blogs de Diseño encontre esta publicidad que esta muy buena...

Te recomiendo este blog "Vecindad Gráfica"

Qué es un estilo?

2009-05-09T20:32:00.000-07:00

Reconocimiento y configuración

El estilo es la síntesis visual de los elementos, las técnicas, la sintaxis, la instigación, la expresión y la finalidad básica. Resulta complicado y difícil describirlo con claridad. Tal vez el mejor modo de establecer su definición en términos de alfabetidad visual sea considerarlo una categoría o clase de la expresión visual conformada por un entorno cultural total. Por ejemplo, las diferencias entre el arte oriental y el arte occidental están en las convenciones que los gobiernan.
Donis A. Dondis
La Sintaxis de la Imagen.

"En el estudio de las artes, los trabajos -no las instituciones ni la gente- son el dato primario; en ellos podemos encontrar ciertas características que son más o menos estables... Un conjunto distinguible de tales características es lo que llamamos estilo."
James S. Ackerman
Art and Archaeology.

"Por estilo se entiende la forma constante... y a veces la expresión constante en el arte de un individuo o un grupo de ellos."
Meyer, L. B. Schapiro, M.
The Concept of Style.

El estilo es la señal de una civilización. Los historiadores pueden fechar cualquier artefacto por su estilo, sea
egipcio, griego o gótico, renacentista o colonial, americano o europeo. Es imposible para el hombre producir
objetos sin reflejar la sociedad de la que forma parte y el momento de la historia cuando el concepto del producto se desarrolló en su mente... En este sentido, todo lo que el hombre produce tiene un estilo."
Sir Micha Black.
Wharton Lectures.

"El estilo, en su más general sentido, es un modo específico o característico de expresión, diseño, construcción o ejecución. Cuando se refiere al diseño gráfico, sugiere la estética visual dominante de un particular tiempo o lugar”.
También se utiliza para referirse a la marca específica de un diseñador gráfico, su preferencia por cierta tipografía o familia de tipos, por una característica paleta de colores, o por un enfoque decorativo o funcional.
Las razones del desarrollo de los estilos y sus modos de evolución han sido variados.
• Por razones estéticas: Art Nouveau
• Por la industria: Plakatstil.
• Políticamente motivados: Dadaísmo.
• Por fundamentos filosóficos o morales: Bauhaus.
• Necesidad de identidad corporativa: Internacional Suizo.
• Por requisitos Comerciales: Postmodernismo.
Algunos estilos nacionales llegaron a convertirse en movimientos internacionales: Futurismo.
Unos pocos estilos lograron larga vida. Dos o tres de ellos aún ejercen influencia hoy en día:
Constructivismo, Expresionismo, Surrealismo.

Existe una palabra en alemán, Zeitgeist, que no posee equivalente en nuestro idioma. Significa “el espíritu del tiempo” y se refiere a las tendencias culturales y gustos estéticos característicos de una era. La inmediatez y la naturaleza efímera del diseño gráfico, combinadas con su vínculo con la vida social, política y económica de su cultura, le permiten expresar más sólidamente el Zeitgeist o espíritu de una época que muchas otras formas de expresión humana. El diseño de la historia es la historia del diseño. Ivan Chermayeff.

Cultura - Arte - Diseño III

2009-05-09T20:27:00.000-07:00

Diferencias entre Arte y Diseño

Arte
Definimos el arte como la expresión de un sentimiento interno, la interpretación personal del mundo que rodea al artista o de sus propios pensamientos y que no tiene otra intención que la propia expresión.

Parte de una necesidad de tipo espiritual. llenar el vacío de esta condición suprasensible humana con algo que no es material, pero que satisface y crea sensaciones, emociones, reflexiones, y que son puramente vivenciales y personales, por tanto, subjetivas

El Arte, por su parte, tiene un carácter individual, sea este socializado o no. Responde a una clase social (por lo tanto: es elitista) y está dirigido a ser entendido y consumido por aquellos que tienen el código incorporado, ya sea por estudios o por vivencia . No necesariamente es imprescindible entenderlo tal y como lo hizo su creador, y en su generalidad utiliza lenguajes ambiguos.

El Arte no o implica una respuesta sino un cuestionamiento.
El Arte propone.
El artista tiene como fin la subjetividad de su pregunta. El Arte lejos, es ambivalente.

Diseño

El diseño, en cambio, responde a una finalidad concreta: la solución de un problema de comunicación, la transmisión de un mensaje con unos objetivos comunicativos.

En cambio, el Diseño parte de otra necesidad.

El Diseño es comunicar y es comunicación.

Una obra comunicativa tiene una función definida: transmitir un mensaje de manera clara, directa y precisa, sin ambigüedades ni ambivalencias.

Un buen Diseño utiliza un lenguaje llano ya que está dirigido a las masas (público) -teóricamente una información está realizada para que sea entendida por todas las personas aunque esta, de manera particular, esté dirigida a un sector específico de esa masa-, por tanto, no se regodea ni se hace difícil de entender, ni utiliza códigos no convencionados.

Un Diseño va dirigido: tiene un fin. Un Diseño es evidente: usa códigos establecidos.

El diseñador, la objetividad de su mensaje.

El Diseño (te) dispone.

Como proceso comunicativo, el Diseño es lógico en su esencia.

El diseñador trabaja bajo unas pautas de las que el artista carece, no puede gozar de la libertad de aquel que pinta o esculpe porque quiere y siguiente sus mismas directrices. El artista da forma a sus obras tal y como él desea, el diseñador será sometido a la evaluación de aquel que le encargó el trabajo.

El diseño se nutre del arte, recoge la experiencia de este y emplea sus elementos para alcanzar sus propósitos. Y es que ambas formas comparten características pero se bifurcan en la intención y en los orígenes. Mientras que el arte es algo propio del hombre, que lo ha acompañado desde sus orígenes y le ha servido desde siempre como medio de expresión, el diseño nació de la mano de la imprenta.

El diseñador trabaja para los clientes de su cliente, haciendo que el mensaje les llegue de la manera más eficaz posible y tratando de influir en su decisión de compra. Sin embargo, en el caso del artista el cliente y el consumidor suelen ser la misma persona; él mismo.

Cultura - Arte - Diseño II

2009-05-09T20:24:00.000-07:00

La cultura se divide en prácticas:

Concretas o materiales: fiestas, alimentos, ropa (moda), arte plasmado, construcciones arquitectónicas, instrumentos de trabajo (herramientas), monumentos representativos históricos.

Simbólicas o espirituales: creencias (filosofía, espiritualidad/religión), valores (criterio de juicio moral y/o ética), actos humanitarios, normas y sanciones (jurídicas, morales, convencionalismos sociales), organización social y sistemas políticos, símbolos (representaciones de creencias y valores), arte (apreciación), lenguaje (un sistema de comunicación simbólica), tecnología y ciencia.

La cultura satisface todas las necesidades del hombre, cualquiera que sea el orden de éstas. El hombre tiene dos tipos de necesidades. Primarias (biológicas) y secundarias (humanizantes). Sin la satisfacción de las primarias no podemos sobrevivir, pero sin la satisfacción de las secundarias sólo logramos la supervivencia animal.

La cultura y sus manifestaciones

La cultura pasa de su dimensión más elemental que es la Obtención de Alimentos, a la de crear o producir objetos, los procesos de producción, la organización social, crecimiento demográfico, el aumento de la escala social y el desarrollo de manifestaciones que constituyan la expresión del conocimiento, la experiencia y la visión del entorno y el registro de vivencias e ideologías, que es lo que podríamos denominar como ARTE.

Dentro del arte como medios de expresión cultural encontramos la pintura, la escultura, literatura, teatro, música, danza, cine, fotografía, arquitectura. Estas manifestaciones han ido evolucionando en conjunto con la tecnología y el desarrollo de las sociedades.

La importancia del diseño y el arte como fenómeno cultural.

Conceptos Arte y Diseño

ARTE:

Usualmente se le llama arte a la actividad mediante el cual el ser humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de recursos plásticos, lingüísticos, sonoros, o mixtos. El arte expresa percepciones y sensaciones que tienen los seres humanos que no son explicables de otro modo.

El Arte es una de las formas, -tal vez la más primitiva- de conocimiento junto al conocimiento revelado (religión) y al conocimiento objetivo y racional (ciencia).

DISEÑO

El diseño es el nombre de un oficio o especialidad cuyo fin consiste en definir, antes de su elaboración, las características finales de un producto para que cumpla con unos objetivos determinados.

Es una forma de comunicación, un medio de producción.

Arte y Diseño como manifestaciones culturales

El Arte implica un cuestionamiento:

Es el debate del "arte por el arte", como fenómeno del desarrollo de las sociedades y como referente visual histórico-concreto.

Un retrato renacentista puede cuestionar la época y la sociedad, un proceso histórico y político, una clase social, etc. Por ejemplo: La archiconocida "Gioconda" de Leonardo da Vinci. Cuestiona (entre otras cosas) el ideal de "belleza" de la época, las relaciones místicas que encierra una obra de arte y la ambigüedad cuando se refieren al paisaje de fondo; evidentes también en el uso del color y el "sfumato", la sonrisa "enigmática" del mismo retrato.

Diseñar como acto cultural implica conocer criterios de diseño como presentación, producción, significación, socialización, costos, mercadeo, entre otros.

Estos criterios son innumerables, pero son contables a medida que el encargo aparece y se define.

Simetria...

2009-05-09T20:09:00.000-07:00

Premios Pulitzer

2009-04-21T16:57:00.000-07:00

Patrick Farrell, de The Miami Herald, es el ganador de los premios Pulitzer.

Sus fotografías estremecen...

Fue premiado por su trabajo realizado tras el paso del huracán Ike por Haití, que se cobró miles de vidas en el 2008

Las imagenes del ganador lograron llamar la atención en todo el mundo, por el contenido estremecedor, y a su vez provocativo si así se puede decir.

Un hombre, su cámara y su percepción, logró captar el horror de la catástrofe.
Lo cual, además del premio, consiguió ayuda internacional para los haitianos.

Otro Pulitzer fue para Damon Winter de The New York Times, quien captó un acontecimiento diferente, la campaña presidencial de Barack Obama.
El matutino neoyorquino se quedó con 15 premios Pulitzer en periodismo siendo el más galarnonado en esta edición.

Sin embargo, el premio Pulitzer a un "Servicio público" extraordinario fue para el diario Las Vegas Sun y su periodista Alexandra Berzon, que desveló las numerosas muertes de trabajadores en la construcción del "strip" (avenida principal) de Las Vegas.

Más en Infobae

Linea de Tiempo - Estilos Artísticos

2009-04-18T18:55:00.000-07:00

Comienzos...

2009-04-13T22:17:00.001-07:00

Un poco de Cultura

2009-03-26T08:08:00.000-07:00

Hoy voy a compartir con ustedes un poco del material que recibí en la carrera de Diseño Gráfico Profesional de la Universidad de INACAP Chile.

Comencemos viendo la Cultura en la satisfaccion de las necesidades del hombre.

Cultura es:

El conjunto total de las prácticas humanas.
Es la forma de ser, pensar y actuar de una sociedad.
Esencia de los procesos transformadores y estabilizadores de una sociedad.
Es el gran conjunto de los conocimientos que una sociedad posee de sí misma y del entorno que la rodea.
Se manifiesta en las creaciones plásticas, las construcciones, la ciencia, la tecnología, las creencias, las costumbres y más.

Sub Culturas son:

Es un grupo de personas con un conjunto distintivo de comportamientos y creencias que les diferencia de la cultura dominante de la que forman parte.
Las características pueden ser estéticas, políticas, identidad o una combinación de ellas.

La Cultura como hecho social, es el resultado de la INTERACCIÓN que se produce entre los miembros de diversos grupos sociales.

Sin la existencia de la sociedad resultaría imposible la aparición de la cultura dado que no tendría lugar la interacción que hace posible que las personas compartan sus conocimientos, valores y creencias. La cultura es un esfuerzo colectivo.

La cultura se caracteriza por:

La cultura es un código simbólico: Ya que permite a los miembros de una misma sociedad comunicarse eficazmente. Ej: El lenguaje.
La cultura es un sistema arbitral. Cada cultura tiene su propio modelo.
Es aprendida: No es genética, No es interiorizada por instinto. Una persona es profesor de otra.
Es compartida.
Es un sistema integrado. Algo así como la pirámide de las necesidades.
Tiene capacidad de adaptabilidad.
Está siempre cambiando.
No es lo mismo la “idea propia de cultura” que la “Cultura Real Vivida”.Es decir, una cosa es lo que la gente dice qué es su cultura y la otra es lo que muestran los comportamientos.

Increible!

2009-03-25T20:04:00.000-07:00

Les presento a Lionel, sólo tiene un añito y medio, y doy fe del video porque lo conozco!!!
Ese chiquito si que tiene talento! un don de nacimiento sin duda...

Miralo y después me contás...

Arte en Punta Arenas

2009-03-24T17:00:00.000-07:00

Por estos lado sí que saben expresarse.
Una página que sin dudas te brinda toda la movida y cultura Hip Hop en Punta Arenas.

Hip Hop Zona Sur

Lo que se viene esta semana...

Muchas pic, videos y data, pasate por Hip Hop Zona Sur cundo quieras.

Arte Urbano

2009-03-24T16:10:00.000-07:00

Sin duda un gran artista...

Vioestudio

2009-03-24T15:54:00.000-07:00

Buscando en la fotografia nuevos horizontes y un punto de constante creación, vio, pretende reflejar en sus fotos momentos y sensaciones únicos en cada imagen, entendiendo a cada toma como una pieza de comunicación visual irrepetible.

ExpoPincel

2009-03-24T15:45:00.000-07:00

Maria José Fraile de Marbella, Málaga, Espeña tiene un gran don para la pintura... Ella dice, "La creación artística es un proceso de aprendizaje continuo, sin pausa y en mi caso, sin prisa. Gracias de antemano."

El moleskine de karlitos

2009-03-24T15:41:00.000-07:00

Blog desde La Coruña - Galicia dedicado a bocetos al natural de acuarelas pintadas en moleskine. Acceso a otros blog de acuarelas, materiales, etc.

Bienvenidos!

2009-03-24T10:02:00.000-07:00

Hola! Hoy damos comienzo a este espacio en la "Nube" para que todos podamos expresarnos de la forma que querramos.

Podés enviarme los enlaces a tus blog's, fotos, páginas web, música, etc., o mandarlos a mi mail para que pueda subirlo al Blog.

Quiero dedicar este espacio para los jóvenes en especial, esos locos artistas independientes y anónimos que andan dando vueltas por el "globo", y para que nosotros podamos conocer y ver que como jóvenes tenemos mucho más que dar que sólo problemas!