Expo Diseño

Afiche que realicé para un trabajo de Taller II

Neoplasticismo

(De Stijl) 1919-1925

Antecedentes
De Stijl fue una alianza de artistas, arquitectos y diseñadores unidos por el pintor y arquitecto holandés Theo van Doesburg en 1917.
A pesar de su neutralidad, los Países Bajos sufrieron también las consecuencias de la primera guerra mundial, y la misión del grupo De Stijl era crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía.

Época de Desarrollo
Holanda, 1919-1925

Principales hitos de la época
• El fin de La primera Guerra mundial 1914 -1918

Estilos precedentes e influencias:
El movimiento De Stijl está relacionado con el Cubismo, al que se considera como inmediato precedente, pero se distingue del mismo por negar el volumen.
Los miembros de De Stijl creían que el Cubismo no había ido suficientemente lejos en el desarrollo de la abstracción, y que el expresionismo resultaba demasiado subjetivo.

Exponentes Representativos
Piet Mondrian
Theo Van Doesburg
Bart Van Der Leck
Vilmos Huszar
Georges Vantongerloo
Jacobus Joannes Pieter Oud
Jan Wils
Friedrich Kiesler
Gerrit Rietveld

Características Conceptuales
Para describir este estilo reductor Mondrian forjó el término Neoplasticismo. En 1917 escribió: "Estos medios plásticos
universales se descubrieron en la pintura moderna a través del proceso de la abstracción de la forma y del color: una vez que esto fue descubierto, emergió, en su mayor parte por propia voluntad, una plástica exacta de relaciones puras; de ahí a la esencia de toda emoción de belleza plástica".

El hecho de que Mondrian y Van Doesburg creyeran que habían llegado a la fórmula definitiva para este nuevo arte explica el nombre del grupo, De Stijl.
Así como su lema:
"EI objeto de la naturaleza es el hombre. El objeto del hombre es el estilo".

"La nueva imagen del mundo" en la que había señalado que "los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son: la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la tierra alrededor del sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos, que tiene su origen en el centro del sol".

Características formales
De Stijl, “El Estilo”, propone una estética renovadora basada en la depuración formal.
Fue un movimiento integrador de las distintas artes.
La utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y zonas rectangulares de colores lisos caracterizan su obra de esa época. Al evolucionar, su gama se reduciría eventualmente al empleo de los colores primarios: el rojo, el amarillo y el azul y los colores neutros: blanco, negro y gris.
Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales:
líneas, planos y cubos. De ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.
Colores planos, de carácter saturado o tonal.
Empleo de fondos claros.
Las superficies coloreadas se distribuyen y yuxtaponen hasta formar una organización y significación plásticas consideradas
como "arte puro".

El color fue usado no como una ocurrencia tardía o decoración, sino como un elemento estructural importante. El rojo fue favorecido como segundo color en la impresión porque, además de su poder gráfico para competir con el negro, significaba revolución.
Composición con rojo, amarillo y azul: Los tres colores puros ordenan la realidad física. Cada rectángulo constituye un módulo estático, su yuxtaposición genera un ritmo, un dinamismo.

El punto de partida en el Neoplasticismo es el espacio, que al ser estructurado, hace surgir la forma.
Es un planteamiento totalmente racionalista.
Su objetivo es armonizar el espacio, la forma y el color.
Busca la renovación estética y la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.
Busca la purificación del arte rechazando la representación artística. los valores externos y las expresiones subjetivas.

De Stijl fue, al principio, una revista dedicada a la arquitectura, el diseño de objetos domésticos.
Fundada en Leyden, Holanda, por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, surgió en 1917 y duró hasta 1931.
Vendría a constituir un foro donde se discutiría el camino que el arte moderno debería adoptar.
Publicaron en la revista críticas, teorías y manifiestos .

La revista De Stijl:
Se planteó como objetivo contribuir al desarrollo de un nuevo sentido estético.
Quiso hacer al hombre moderno sensible.
Quiso reunir y coordinar las tendencias actuales de la nueva plástica, para establecer relaciones entre el artista, el público y los aficionados a las diversas artes plásticas.
Hará desaparecer el prejuicio en virtud del cual el artista moderno trabaja siguiendo teorías preestablecidas.

Con estos ocho puntos comienza el fin de la primera etapa del Stijl, que se inicia con la separación de sus miembros y contribuyentes, y con la aparición de Gerrit Rietveld con la creación de la silla roja azul, que es una pieza de mobiliario que aportó la primera oportunidad para una proyección de la estética neoplástica, diseñada entre 1918 y 1920.

La nueva etapa
En este período se establecen algunos de los puntos más significativos del movimiento que son:
La arquitectura, la forma, la economía, la funcionalidad, el no reconocer ningún tipo de autocontenido, ninguna forma básica, el cambio del concepto de monumentalidad a las nociones de grande y pequeño, el no reconocer ninguna parte pasiva, la planta, el espacio y tiempo, la simetría y repetición, el contraste con el frontalismo, el color, el antidecorativismo, como síntesis del nuevo plasticismo.

La arquitectura de De Stijl muestra una claridad, una austeridad y un orden similares a los de la pintura del grupo, y el lenguaje geométrico abstracto de la pintura neoplástica (líneas rectas, ángulos rectos y superficies limpias) encontró expresión en objetos de tres dimensiones.

La tercera y última fase de la actividad de De Stijl, que duró desde 1925 hasta 1931, se debe a una disputa entre Mondrian y Van Doesburg a causa de la introducción por parte de este último de la diagonal en sus pinturas, una modificación del neoplasticismo que denominó elementarismo en una serie denominada “contraposiciones”, lo que llevó a Mondrian a abandonar el grupo.
"Tras tu arbitraria mejora del neoplasticismo, cualquier cooperación es imposible para mí", escribió Mondrian a su antiguo amigo.

ART DECO

1925 – 1939

Se utilizó principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores. Sus formas estilizadas transmitían elegancia y sofisticación.

El término Art Deco se aplicó en 1925, cuando se celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París.

El ART DECO surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del ART NOVEAU, y a la vez como una estética nueva para celebrar el auge de la maquinización.

Su principal característica es el uso de líneas definidas, contornos nítidos, y formas elegantes y simétricas.

Utilización de los colores primarios brillantes, cromados, esmaltes y piedras muy pulidas.

Diseños de inspiración egipcia o griega.

Egipcia, de formas geométricas y vistosos colores.

Africana, abstracción de las formas hasta la omisión de detalles no esenciales.

Tipo de ilustración vinculada: esquematización, planimetría, líneas estilizadas y la moda como temática del estilo.

Principales exponentes:

Paul Poiret modisto.

René Lalique joyero y vidriero.

EMILE JACQUES RUHLMANN, en mobiliario.

JEAN DUNAND, en laqueado.

JEAN PUIFORCAT, en los trabajos en plata.

Tuvo influencia de las escenografías orientales y exóticos colores, del organizador de eventos Sergei Diaguilev que utilizó en los ballets rusos.

La tumba del faraón que se abrió en 1922, puso de moda los motivos egipcios.

El cubismo, con su elegante estética geométrica.

Tipografía ART DECO.

Rasgos geométricos simples, con toques caprichosos.

Unión de trazos finos y gruesos hasta el límite de la legibilidad.

PAUL FOLLOT desarrolló motivos selváticos, como tigres, panteras y serpientes.

EN FRANCIA:

TAMARA DE LEMPICKA. Retratos estilizados de bellas mujeres, posando entre planos yuxtapuestos de patrones y colores metálicos.

COCO CHANEL. Juventud y elegancia. Incorporó a la moda los vestidos intemporales de dos piezas y la joyería de fantasía.

Muebles. Adornos de profusos patrones geométricos. Modernista y funcionalista. Mezcla de materiales.

René Lalique se inspiraba en la naturaleza y la metodología griega para sus diseños.

Motivos recurrentes:

Uso de la figura femenina de inspiración mitológica, realizadas en cerámica, bronce o marfil.

Mezcla de texturas y materiales, característico del estilo.

Decoración:

Profusión de materiales preciosos y elegantes diseños. Producían un “efecto riqueza”.

ESTADOS UNIDOS

Se fue haciendo más lineal y geométrico al aumentar la producción en serie. Se plasmó en objetos tan diversos como locomotoras, rascacielos, restaurantes de carreteras, aparatos de radio, maquinas de discos y grandes anuncios.

Edificio Crhysler, obra maestra de la arquitectura ART DECO.

A partir de 1935 éste estilo decayó, pero en 1960 y 1970 volvió a retomar el favor del público.

El empleo de la línea recta en diferentes combinaciones es la principal característica, principalmente en zigzag.

Utilizaban diversos materiales.

Estilo Hollywood

Utilizado en la mayoría de los teatros de california.

Diseño Carteles:

Dinámicos usos espaciales en la diagramación, estilización de las formas, tintas planas, nuevas tipografías propias del estilo.

Exigían una mano atrevida y desinhibida.

Fascinación por el ritmo frenético de la vida moderna.

El mensaje y el estilo se fundieron en una celebración a los viajes y a la velocidad.

El legado ART DECO.

Los colores fuertes y las superficies relucientes representaban el espíritu de la época, expresando acción positiva, velocidad y estilo.

Abundan rayos de sol, cataratas, nubes, flora y fauna, estilizados en diseños geométricos y abstractos.

Diseños llamativos. En los años 30 se aprecia la influencia del ART DECO tardío, sobre todo en la forma de marcados bloques de color, líneas angulares, y tipografía grande y clara.